Sucinta Crítica - Melhor visualizado no Internet Explorer

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2011-12-23T22:17:00.003-02:00

Drive, Inquietos e As canções

Parafechar o ano com chave de ouro, nada como aproveitar aquela saidinha dotrabalho mais cedo para ir ao cinema. E para os apreciadores desta arte que souberem procurar, poderão desfrutar de grandes filmes em cartaz. Este posttentará fazer um comentário breve sobre 3 filmes lançados neste ano de 2011 feitos para agradar o grande público com estilo. Quando digo que foram feitospara agradar me refiro ao fato das histórias serem conhecidas, os famosos clichês. Entretanto, nas mãos das pessoas certas setransformam em obras interessantes e de qualidade. São gêneros distintos,públicos distintos, mas que trazem a marca do seu criador.

Nocaso de Drive do diretor Nicolas Refn, vemos um filme de ação que poderia cairna mesmice de todos os blockbusters famosos. Na realidade a história é a mesmaque todo mundo já conhece, mas a forma que Refn faz o filme é o que amplia suaqualidade. Aos que assistiram Bronson (2009) fica evidente as semelhanças e aspreferências do diretor na construção de seus filmes. Drive reúne o que há de melhor nos filmes deação e ainda relembra os clássicos dos anos 70 e 80. Isto fica evidente logo noinício quando nos deparamos com a apresentação do letreiro, onde a fonte écursiva e rosa. É inevitável que o espectador seja arremessado diretamenteao passado e relembre de Footloose e Dirty Dance. Para corroborar esta ideia,ouvimos a trilha sonora retrô que acompanhará o filme inteiro. Em tempos defilmes de ação com franquias sem fim como Velozes e Furiosos, fico feliz empoder assistir algo atual que revisita o gênero.

O filme é violento, o quecausa um pouco de repulsa ao público que não gosta de ver sangue na tela, masadora enfiar a cabeça pela janela do ônibus quando há algum acidente na estrada(e o pior: o sangue neste caso não é cinematográfico). Refn consegue fazer umfilme sofisticado com a atuação de Ryan Gosling, que dá ao personagem um arblasé, inspirado por uma miscelânea de “heróis“ do cinema, como: Don Corleone (pelavoz), Travis Blake (pelo deslocamento social) e Stallone Cobra (pela pose e opalito de dente na boca). A fotografia é assinada por Newton Sigel que carrega em seu currículo outros action movies famosos.

EmInquietos a história é mais do que repetida. Já vimos muitos casais apaixonadosno cinema, sejam com finais tristes ou finais felizes. Embora este casal pareçaesquisito por se conhecerem em um funeral, eles apenas existem para nos lembrarde como a vida é repleta de amor e morte. E isto parece ter sido visto em “Umamor pra recordar” que arranca lágrimas infinitas de muita gente até hoje. Omais apaixonante de Inquietos não é o casal que se forma e sim a maneira queGus Van Sant conta a história com a ajuda do fantasma Hiroshi. O diretor seapropria da história clichê de amor, distorce levemente os personagensprincipais para causar um pequeno incômodo e por fim, tudo isto serve para queele desfile suas habilidades cinematográficas. A matéria prima de Van Sant é aprópria natureza. É nela que ele se debruça em seus belos planos. Esta relaçãonão é meramente estética, aqui a natureza afirma a presença da morte esimultaneamente da vida. Embora o clima seja outonal, as árvores e os insetossejam coloridos, eles carregam um ar sombrio reforçado pela fotografia. Abeleza de Mia Wasikowska deixa o longa hipnotizante, somado ao humor dopersonagem de Ryo Kase (Hiroshi). Gus Van Sant abranda o clichê com seu estilo.

ComAs canções de Eduardo Coutinho nos sentimos em casa. Para aqueles que conhecemo trabalho do mestre é fácil reconhecer sua forma de documentar o mundo.Coutinho mais uma vez utiliza como fonte a história oral e consegue criar umdocumentário brilhante. Desta vez as pessoas contam suas histórias a partir deuma música que marcou suas vidas. Cada personagem canta a música que o marcou, eCoutinho em nenhum momento utiliza de trilha sonora como apoio. Isto torna ofilme cada vez mais profundo, onde cada canção cantada ganha uma significaçãodiferente de acordo com a história referente. O diretor mais uma vez exalta aimportância da oralidade resgatando histórias de pessoas comuns, misturandomagistralmente arte e vida. Coutinho é brilhante mais uma vez transformando afugacidade da oralidade em registro consistente.

Triângulo Amoroso

2011-12-21T12:22:00.001-02:00

Tom Tykwer, diretor de Corra Lola, Corra! traz em seu novo filme uma temática polêmica: o relacionamento poligâmico, ou como no bom francês o famoso "menage-à-trois". A montagem marcante de Triângulo Amoroso feita por Mathilde Bonnefoy - que já trabalhou em outro filmes de Tykwer -, ressalta o caos de Berlim e dos relacionamentos humanos, além de fugir da construção visual comum.

O longa varia do cômico ao trágico várias vezes e beira a monotonia em alguns momentos. Entretanto, os personagens são instigantes e não nos permitem perder o interesse pela trama. Simon e Hanna personificam o casal incomum (ou seriam muito comuns?) que estão juntos há tempos e precisam de uma injeção de vida no relacionamento. Neste momento conhecemos o terceiro elemento do romance, Adam, que não por acaso é um especialista em fertilização. Todas as alegorias estão formadas para arrancar muitas risadas do público, em algum momento uma lágrima e talvez uma reflexão sobre nossas relações monogâmicas, que em muitos casos não são tão sinceras como dizem por aí.

O Mistério de Natalee Holloway

2011-11-22T21:48:00.017-02:00

Salve-se quem puder! O Mistério de Natalee Holloway (Natalee Holloway) é uma das maiores bombas dos últimos anos. Piadinhas infames a parte, o filme traz tudo de pior que pode haver, exceto pelo argumento, mas que de nada adianta se as outras partes não se encaixam.

Baseado em fatos reais, a trama gira em torno de Natalee Holloway, que, após uma viagem de formatura para Arruda, é sequestrada e, desde então, não tem se tem mais notícias da garota. A partir daí chega mãe, pai, padrasto, imprensa, polícia e etc. na tentativa de obter respostas.

Com uma história envolvente, o resultado tinha tudo para ser, no mínimo, satisfatório, mas nem isso acontece. A película dirigida por Mikael Salomon começa por mostrar, de maneira frustrada, a rotina de Natalee e suas amigas, em cenas de dar inveja a qualquer filme de Hannah Montana. Um equívoco enorme.

O pior fica por conta da mãe, Beth Holloway-Twitty (Tracy Pollan), e sua tentativa de encontrar a filha. Juro que li na capa do DVD que a atuação dela era digna de elogios. Na mesma hora pensei que havia alugado o filme errado, mas não, era a mesmo Tracy Pollan, fazendo um desserviço enorme ao cinema, em cenas de dar pena...ao telespectador. Tracy tem uma atuação muito abaixo da média, mas ainda sim anos luz a frente do elenco secundário.

Ainda vale citar a desenfreada e irritante choradeira da personagem Beth Holloway-Twitty, os diálogos medíocres e monólogos de Tracy Pollan, no melhor estilo novela das nove. Um festival de erros. Não preciso nem comentar a direção amadora de Mikael Salomon, que evidentemente é uma afronta ao bom gosto.

Amor e Ódio

2011-11-22T16:59:00.016-02:00

Como não se emocionar com filmes que retratam o Holocausto? Em Amor e Ódio (La Rafle) não é diferente. Talvez este ainda seja o principal motivo pelo qual ainda existam filmes sobre a Segunda Guerra Mundial e suas diversas histórias - marcadas, principalmente, pelas atrocidades dos nazistas com relação aos judeus -, afinal, não há mais muito que contar. Este fato histórico é provavelmente um dos mais adaptados para o cinema.

É preciso então focar em outros segmentos, como por exemplo, as atuações ou acontecimentos específicos, mas a ponto de tocar cada um que assiste. O filme dirigido por Roselyne Bosch trata designadamente da difícil vida dos judeus na França no ano de 1942, e ainda contrasta com a rotina prerrogativa de Hitler. Tudo isso de uma forma extremamente competente.

Além do roteiro bem desenvolvido, os atores são os que mais contribuem para o sucesso do filme. Jean Reno dispensa comentários, e o elenco de coadjuvantes também é um grande trunfo. Mas quem brilha mesmo é Melanie Laurent! Suas lágrimas sinceras – vistas também recentemente no excelente O Concerto – dão a devida qualidade ao clímax e epílogo do filme. Sem sombra de dúvidas uma das maiores revelações do atual cinema francês.

Contágio

2011-11-09T16:33:00.016-02:00

Responsável por filmes como Traffic e Onze Homens e Um Segredo, Steven Soderbergh nos presenteia com mais uma brilhante obra. Assim como nos dois filmes citados acima, o diretor novamente trabalha com um elenco de peso. Laurence Fishburne, Matt Damon, Kate Winslet, Marion Cotillard, Jude Law e Gwyneth Paltrow são alguns destes nomes, que, inegavelmente, garantem o sucesso maior do filme, além da direção competente de Soderbergh.

Filmes apocalípticos há aos montes, especialmente, se o motivo for uma epidemia de vírus, mas a forma como Contágio (Contagion) é contado é que o diferencia dos demais, pois o foco no drama humano é carregado de tensão e falsas expectativas, com personagens muito bem desenvolvidos por Soderbergh.

A pele que habito

2011-11-03T11:23:00.009-02:00

Brilhante, mil vezes brilhante. Não tem nada a ver com ser fã de Almodóvar, mas sim em reconhecer a genialidade de alguém. Significa afirmar a qualidade de um diretor que está a algum tempo produzindo e ainda consegue nos surpreender com injeções de novidade. Que experiência maravilhosa foi assistir A pele que habito. Eu sei que estas palavras estão carregadas de paixão, mas não há como escrever de outra maneira. Dessa vez, Almodóvar carrega sua paleta de cores para um tom mais sombrio onde predomina o azul – já muito usado em filmes policiais – e o vermelho que é sua marca registrada. A mulher continua sendo uma figura insubstituível, mas aqui não importam mais os gêneros, vamos além, no que há de mais profundo no ser humano. O amor, a vingança, a ambição lutam por seu espaço.

Durante a trama visitamos o passado do protagonista interpretado por Antônio Banderas e a partir dos flashbacks podemos enxergar o presente com mais clareza. Cada volta ao passado muda completamente a perspectiva sob a história e isso torna o filme muito emocionante. O público vai ficando cada vez mais íntimo da película, deixando sua superfície e revelando aos poucos a escuridão desta novela de Thierry Jonquet. O passado do brilhante cirurgião plástico é assombrado por uma tragédia e a partir daí ele passa a se dedicar à criação de uma pele sintética resistente a qualquer tipo de dano. Para isso ele mantém presa em sua mansão uma paciente que é vítima desta obsessão e testes incessantes.

Não contente em se inspirar na novela de Jonquet, o diretor faz referências pontuais, colocando em seu cenário uma Vênus gigantesca – representação clássica da mulher ao longo da História da Arte –, especificamente a “Vênus de Urbino” pintada por Tiziano, um dos grandes nomes do Renascimento. Não obstante, coloca ao lado do clássico renascentista a artista Louise Bourgeois* (1911 – 2010) que explora em seu trabalho (brilhante) as subjetividades do “eu”.

A parte técnica de Almodóvar é sempre impecável, salvo os filmes de começo de carreira que seguiam uma linha underground por motivos óbvios. Este texto merecia ser detalhado devido a grandiosidade da obra. Entretanto, paro por aqui na esperança que os que me lêem e ainda não puderam assistir, assistam e consigam atingir o mesmo grau de excitação que eu alcancei. Fica aqui este comentário minúsculo acerca da imperdível obra-prima criada pelo diretor espanhol.

*Louise Bourgeois está exposta no MAM (Rio de Janeiro) no período de 16 de setembro a 13 de novembro de 2011. Vale a pena conferir.

O segredo dos seus olhos

2011-11-02T21:53:00.015-02:00

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Arrebatador como de costume, Ricardo Darín comanda a película de Campanella

Nas telas no ótimo Um conto chinês, Ricardo Darín encheu a tela há dois anos em O segredo de seus olhos, baseado no livro homônimo de Eduardo Sacheri. No thriller dirigido por Juan José Campanella, Benjamin Esposito (Darín) é um funcionário do Tribunal de Buenos Aires intrigado com um caso de morte de uma jovem.

Em comum com Roberto, seu personagem em Um conto chinês, Darín compõe, em O segredo..., outro homem com dificuldades de se relacionar, externar seu mais puro sentimento, ao sexo oposto. Violinos dão o tom melancólico da soberba adaptação de Campanella, que concorreu ao Oscar de melhor filme estrangeiro.

O Palhaço

2011-11-02T01:09:00.008-02:00

Em busca de uma identidade e um ventilador, o palhaço Benjamin atravessa o filme com o rosto mais triste que poderia ter. Selton Mello conseguiu destoar da produção do cinema brasileiro em seu novo longa metragem O Palhaço, esta que estamos cansados de conhecer com sua estética de filme B, elenco 100% global e aquela falta de criatividade insistente.

O segundo filme do diretor/ator traz alguns belos enquadramentos, uma trilha agradável, cores (como não poderia deixar de ter, já que se trata de um filme sobre arte), bom humor, mas o persistente clichê. Vivo me perguntando quando vou sair realmente surpreendida do cinema com um filme nacional. Acho que a última vez que isso aconteceu foi quando assisti "O Cheiro do Ralo" (que por um acaso também é com o Selton Mello) ou ainda quando revi "Deus e o Diabo na terra do sol" de Glauber Rocha. Quando vamos fazer mais filmes assim? O que somos sujeitados a assistir é sempre o mais do mesmo, e depois de tanta porcaria as pessoas param de ter o mínimo de discernimento do que é bom e ruim, e começam a engolir tudo que vêem pela frente. Essa reclamação também vale para os pastelões americanos que são insuportavelmente repetitivos, mas consumimos quase por osmose.

O Palhaço traz uma experiência interessante para o público massificado que vai ao cinema para se entreter, carrega questões interessantes, embora não muito exploradas no longa, mas se resolve de forma à acalmar o coração dos espectadores, quando o que deveria era causar algum tipo de incômodo. No fim das contas é isto que falta no nosso cinema: aquele filme soco no estômago que trata do que acontece, mas as pessoas se negam a enxergar - seja em qualquer aspecto da vida. Não precisa ser apelativo, nem ter uma linguagem esquizofrênica, mas sim tratar o público como pensante e capaz de apreciar um filme sem que as coisas sejam mastigadas e explicativas o tempo todo. Fazer isso é insultar nossa inteligência. Quero ver filme brasileiro sim, ter orgulho do cinema no meu país, mas isso só acontecerá quando a sétima arte for usada pra dizer alguma coisa e fazer pensar. Esperei muito deste filme, me decepcionei um pouco, mas indico como diversão para os corações aflitos.

Karatê Kid

2011-10-30T18:01:00.014-02:00

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Cúmplices, Jackie Chan e Jaden Smith levam a platéia às lágrimas

Cantor, dançarino e ator, Jaden Smith, que debutou no cinema em À Procura da Felicidade, prova, em Karatê Kid (The Karate Kid, no original), que herdou de Will Smith muito além da inegável fisionomia. Jaden compõe seu personagem (Dre Parker) na medida certa do drama ao contracenar com Jackie Chan, em atuação irretocável. Juntos, Jaden e Chan emocionam.

Diretor do longa, Harald Zwart sugere o tatame aos espectadores para ensinar, através do kung fu, princípios fundamentais da vida. Estonteante, a fotografia da obra valoriza cada milímetro das belezas naturais da China, o que resulta em uma peça senão superior ao clássico oitentista, no mínimo equivalente.

Um conto chinês

2011-10-17T13:50:00.004-02:00

Fico cada vez mais impressionada com a capacidade de criação do cinema argentino. Quando o filme é produzido por nossos vizinhos latinos, devemos deixar nossas picuinhas futebolísticas de lado e simplesmente apreciá-los para admirar logo em seguida.

O que esperar de uma história que começa com uma vaca caindo do céu? Na direção de Sebastián Borensztein (La suerte está echada, 2005) combinada com a atuação de Ricardo Dárin (El secreto de sus ojos, 2009) deu certo. Com uma pitada de "Encontros e Desencontros" e "Amélie Poulain", a história de Um Conto Chinês se desenrola a partir do encontro do chinês Jun (Ignacio Huang) com Roberto (Ricardo Dárin). Entretanto, nesta relação há um problema: a língua. Jun não consegue se comunicar com Roberto e vice-versa. A premissa é abordada de forma muito divertida - com o humor refinado dos argentinos -, e nos permite pensar sobre as diferenças culturais, solidão, a linguagem, entre outros assuntos mais filosóficos. Roberto sendo um homem soltário e com manias peculiares, se coloca em situações inusitadas para tentar ajudar Jun. Aos poucos eles se aproximam e descobrem maneiras de se comunicar sem precisar de palavras.

Borensztein brinca com o absurdo de forma sutil e proporciona vários momentos de humor ao público. Isso tudo através de uma bela fotografia, trilha sonora, excepcional atuação de Dárin e ótimos efeitos especiais. Vale a pena conferir essa história simples, mas muito bem contada.

O Velho e o Mar

2011-10-07T17:07:00.007-03:00

Como fiquei supreso e curioso ao descobrir que existia uma adaptação para o cinema de O Velho e o Mar (The Old Man and the Sea). O motivo é simples: o livro é extretamente maçante, mas igualmente poético, precisava urgentemente saber o resultado desta adaptação. A história gira em torno de Santiago, um pescador que está há 84 dias sem conseguir um peixe sequer, eis que, no 85º dia, se depara em alto mar numa briga incessante contra um espadarte.

Se no romance de Ernest Hemingway o leitor se identifica imediatamente com o pescador, o que dizer do filme, em que o personagem é interpretado de forma memorável por Spencer Tracy. A presença do ator é a principal razão pelo drama não ser algo monótono, mesmo que na maior parte tempo se passe no mar, e apenas com um personagem. Spencer sabe como ninguém transmitir o sofrimento, dor e a angústia vivida pelo pescador.

Vale ainda ressaltar a presença do garoto (Felipe Pazos), que fora proibido pelos pais de acompanhar Santiago em suas pescas, por este último ser um azarado. Mesmo com uma atuação de Pazos abaixo do esperado, os dois personagens, mesmo com uma significativa diferença de idade, demonstram uma amizade intensa, que nos emociona até o último segundo de filme.

O Homem do Futuro

2011-09-20T22:32:00.018-03:00

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Em nova atuação soberba, Wagner Moura faz valer cada centavo do ingresso

Confesso apreciador do gênero cômico, o diretor Cláudio Torres faz nova investida em O Homem do Futuro, depois de dirigir, entre outros, filmes como O Redentor (2004) e A Mulher Invisível (2009).

Embora não encontre eco pelas vias do riso - apenas esporadicamente através do extraordinário Wagner Moura, o qual merece uma crítica à parte -, Torres consegue exitar, com louvor, neste ensaio sobre o (atemporal) amor.

Embalado por uma trilha sonora lapidar, pertinente - que vai de Tempo Perdido a By My Side, do Inxs - e enaltecido por Wagner Moura (decerto no seleto grupo de grandes atores da história deste País), O Homem do Futuro é dever cívico obrigatório!

Michael Jackson - This Is It

2011-09-17T18:07:00.014-03:00

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Perfeccionista, Michael faz questão de participar de todo o processo de produção

Lançado em 2009 nos EUA, Michael Jackson - This Is It é, salvo engano, o primeiro produto a explorar a morte do Rei do Pop. Dirigido por Kenny Ortega, o documentário traz parte dos ensaios daquela que seria - e, em razão das circustâncias, foi - a última turnê mundial, o ato final do artista.

Neste registro, reafirma-se todo o talento de Michael, dançarino memorável - como Fred Astaire e Gene Kelly -, artista generoso com os profissionais que o cercavam e com inquestionável dom musical. A novidade do material, no entanto, fica por conta da luz que lança sobre o lado produtor de Michael.

Em This Is It, MJ faz questão de deixar tudo à sua maneira. Por vezes, interrompe o ensaio para corrigir, elegantemente, seus músicos e dançarinos, à procura da perfeição. Embora sua cortina tenha se fechado precocemente - em junho de 2009 -, Michael Jackson usou e abusou de seu dom em prol da humanidade, como conta e canta em canções como Heal The World e Man In The Mirror, a qual, não por acaso, encerra o documentário.

Invasão do Mundo: Batalha de Los Angeles

2011-08-19T17:08:00.020-03:00

Invasão do Mundo: Batalha de Los Angeles apresenta o veterano Sargento Nantz (Aaron Eckhart) que, pouco antes de se aposentar oficialmente, recebe a missão de comandar um grupo de Fuzileiros Navais para resgatar civis de Santa Monica, uma região costeira de Los Angeles, após uma invasão alienígena.

Na tentativa do espectador se identificar com os soldados, o filme começa com uma breve apresentação dos personagens, inclusive, o Sergento Nantz, interpretado por Aaron Eckhart de forma brilhante. O problema é que essa empatia não acontece, exceto, pelo protagonista, que aparenta ter um passado dramático e não nos deixa claro o que houve – um dos trunfos do drama.

O patriotismo demasiado também não funciona muito bem, e ainda nos remete à falta de originalidade, que é visto constantemente no cinema atual - principalmente em filmes de guerra -, o que empobrece a ainda mais a trama, afinal, todos devem estar cansado de assistir a filmes sobre o fim mundo, em que, o telespectador sequer sabe o motivo pelo qual os alienígenas foram parar em tal lugar.

Apesar das ressalvas, Invasão do Mundo: Batalha de Los Angeles se encontra nas cenas de ação de tirar o fôlego, do suspense criado entre os Fuzileiros e os civis, e principalmente, nas incógnitas das cenas subseqüentes. Para quem não tem maior compromisso com filmes, e está à procura de diversão, é uma boa pedida.

Esposa de Mentirinha

2011-07-31T22:28:00.012-03:00

Esposa de Mentirinha (Just Go With it) – sempre muito bons os títulos nacionais, não? – tem Adam Sandler no papel do cirurgião plástico Danny Maccabee, e Jennifer Aniston vive Katherine, sua assistente. O enredo é simples, Danny arma uma mentira para cima de sua nova namorada, interpretada por Brooklyn Decker, mas para que seu plano não vá por água abaixo, ele contará com ajuda de Katherine , fingindo ser sua futura ex-esposa.

O filme se desenvolve com piadas da mais baixa qualidade, o que não é se surpreender, afinal, Adam Sandler tem feito só bombas, como Zohan, Gente Grande e Um Faz De Conta Que Acontece. Mas o pior fica por conta previsibilidade, o que definitivamente arruína as comédias românticas atuais, e com esta não é diferente.

Se as piadas são sem graça, as atuações conseguem ser ainda mais, exceto pela filha de Katherine, interpretada por Bailee Madison, que, ora ou outra, usa um sotaque britânico jocoso. A presença de Nicole Kidman tão pouco acrescenta, já que esta não leva o mínimo jeito para comédias.

Fora as atuações fajutas e humor quase zero, Esposa de Mentirinha ganha pontos com a beleza estonteante de Brooklyn Decker e Aniston, o que, convenhamos, não é o suficiente para sustentar um filme.

Cilada.com

2011-07-29T13:05:00.012-03:00

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Irreconhecível, Bruno Mazzeo se aproxima do lamentável humor americano

Cilada.com, de José Alvarenga Jr., em nada se parece com a genial série que consagrou Bruno Mazzeo (como ator) na TV, cuja fórmula se valia de situações cotidianas para exitar e se perpetuar no Multishow como o Chaves do canal fechado.

Embora escrito pelo mesmo Mazzeo do seriado, Cilada.com peca no enredo ao abordar uma situação senão inverossímil, pouco usual - que certamente não alcança a maioria do público, como acontecia no seriado -, além da total descontrução da refinada comédia de seu progenitor televisivo, pautado pela ironia fina de um texto inteligentíssimo e autosuficiente assinado pelo ator.

A obra de José Alvarenga Jr. bebe da escatológica fórmula da comédia americana, com o que há de pior do gênero - caso de Se Beber Não Case - e seu "humor" invariavelmente gestual (como prova a imagem acima), em detrimento do textual, que caracteriza as vias do riso no Brasil, com comediantes como Pedro Cardoso e o próprio Mazzeo.

É impossível deixar de notar, ainda, que o gênero cômico no Brasil caminha para uma desnecessária panela de atores, que beiram a onipresença nos últimos filmes, casos de Dani Calabresa, Luiz Miranda (oportuno em Cilada.com), Marcelo Adnet e afins.

O ponto alto do longa fica a cargo de Lobão, que assina a trilha desta irreconhecível obra nacional, que se apresenta como uma verdadeira cilada, talvez para justificar seu título.

Horton e o Mundo dos Quem

2011-06-12T17:09:00.010-03:00

0000000000000000000000000000000000000000000000DivulgaçãoPerseverante, o elefante Horton ensina e diverte todos os públicos

Infantil à primeira vista, Horton e o Mundo dos Quem (Horton Hears a Who, no original) presta maiores serviços aos adultos, abusando de nuances e alusões inúmeras. Às crianças, fica uma licão ensinada com humor genuíno e plasticidade de uma animação impecável, dirigida por Jimmy Hayward e baseada em livro de Dr. Seuss.

Na versão original, os humoristas Jim Carrey (Sim Senhor) e Steve Carel (O Virgem de 40 anos) emprestam suas vozes aos protagonistas (o elefante Horton e o prefeito da cidade de Who-Ville, respectivamente). Na versão brasileira, a tarefa fica a cargo de Tom Cavalcanti e Marcos Moreira, dublador oficial de Jim Carrey.

Indicado ao Globo de Ouro de Melhor Animação, Horton e o Mundo dos Quem traz outros tantos ricos personagens, como Jojo, nitidamente inspirado no personagem Dwayne, de Pequena Miss Sunshine.

A Suprema Felicidade

2011-05-05T14:06:00.013-03:00

A Suprema Felicidade de Arnaldo Jabor se passa no Rio de Janeiro pós-guerra e conta a história de Paulinho, filho de uma dona de casa oprimida e de um aviador machista. A trama não linear mostra várias fases da vida de Paulinho que se depara com angústias, medos, descobertas e amor. Ao seu lado ele tem a bela amizade de seu avô - interpretado por Marco Nanini - que divide boa parte da trama com o protagonista.

Jabor optou por um filme repleto de referências à chanchada, cheio de nudez e palavrões, os cabarés, figuras clássicas como Marilyn Monroe, o famoso drama "O Morro dos Ventos Uivantes", etc. Também cria uma atmosfera melancólica e saudosista, tanto pela narrativa quanto pela linguagem adotada - em alguns momentos o filme perde a cor.

A trilha sonora convence e a forma que o homossexualismo aparece no longa é sensível e sutil. Entretanto as brigas, as prostitutas, o amor caótico, a boemia, o espiritismo, a atuação lamentável de alguns atores e os personagens rasos transformam o filme em pura infelicidade.

Gnomeu e Julieta

2011-04-03T17:07:00.023-03:00

000000000000000000000000000000000000000000000000000000DivulgaçãoO cantor Elton John brilha sozinho na nova leitura de Romeu e Julieta

Na contramão das animações, Gnomeu e Julieta (Gnomeo and Juliet) presta pouco serviço às vias do riso. Coproduzido por Elton John, o longa de Kelly Asbury (Shrek 2) serve mais ao astro inglês - que assina toda a ótima trilha do longa - do que propriamente ao seu público-alvo.

O longa adquire novas roupagens aos olhos do roteirista Mark Burton. A clássica tragédia de Shakespeare - que faz uma ponta na animação - ganha tons coloridos (ainda que apagados pelo raso e conhecido repertório de piadas) em Gnomeu e Julieta, obra cujo valor deve ser atribuído aos hits de Elton John.

Jogo de cena

2011-03-07T23:23:00.016-03:00

Divulgação............

Eduardo Coutinho expande as possibilidades do gênero em Jogo de Cena

Senhor do verbo, Eduardo Coutinho usa e abusa do seu poder de absorção em Jogo de cena. Documentarista, Coutinho problematiza a relação de realidade do gênero do qual é soberano, ao locupletar depoimentos de pessoas comuns com "interpretações" de atrizes.

Em seu décimo longa, o diretor confunde o espectador e justifica plenamente o título da obra. Além disso, com sua inovadora proposta, desnuda atrizes consagradas do País, como Andréa Beltrão, Marília Pêra e Fernanda Torres.

É talvez de Fernanda Torres, visivelmente constrangida, o depoimento mais honesto, real e latente deste jogo proposto por Coutinho: "Quando você lida com uma personagem real, a própria realidade esfrega na sua cara onde você poderia ter chegado e não chegou".

O Discurso do Rei

2011-03-06T01:46:00.013-03:00

Divulgação............

A dobradinha Firth-Rush justifica todo destaque à obra de Tom Hooper

Laureado com Oscar de melhor filme de 2011, O Discurso do Rei (The King's Speech, no original) tem em seus propulsores Colin Firth e Geoffrey Rush. Entrosada, a dupla rende os grandes momentos da película de Tom Hooper.

Em O Discurso do Rei, o diretor dá vez e voz a George VI (Firth, impecável), o rei gago. Bem explorada, a trama procura distanciamento da ridicularização do problema para dimensionar o drama vivido pelo monarca inglês. O atrevido Lionel Logue (Rush, arrebatador) é o encarregado de curar o rei.

Indicado em 2010 por sua atuação em Direito de Amar, Geoffrey Rush parou na indicação também em 2011. O premiado, como melhor ator coadjuvante, foi Christian Bale (por O Vencedor).

O Vencedor

2011-03-05T23:37:00.018-03:00

Divulgação............

Na lona por Batman, Christian Bale volta ao centro do ringue em O Vencedor

Alçado ao posto de galã na franquia de Batman (Begins e O Cavaleiro das Trevas), Christian Bale despe-se de toda sua vaidade em O Vencedor (The Fighter, no original), de David O' Russel, para dar vida a Dicky Ecklund, boxeador cujo auge rende notoriedade, no mapa, à sua pequena cidade natal.

Com atuações irregulares em Batman - as quais descaracterizaram o herói, inclusive -, Bale acha o ponto de seu personagem e desvia, para si, os holofotes da obra. Faz jus, portanto, ao Oscar de melhor ator coadjuvante de 2011. Melissa Leo, também premiada, merece menção.

O roteiro, indicado ao Oscar, evita beber da fórmula comum às fitas esportivas. Nocauteia a superação, o sonho e o fracasso para ir além. Traz a família ao centro do ringue e, provavelmente, golpeia o esôfago de alguns espectadores. Ao final da obra, o verdadeiro vencedor é aquele que consegue se manter de pé após ser golpeado por 114 min.

127 horas

2011-02-22T14:32:00.006-03:00

James Franco finalmente conseguiu mostrar seu talento no novo filme de Danny Boyle, 127 horas. O diretor famoso por seus trabalhos anteriores “Quem quer ser um milionário” e “Trainspotting”, mais uma vez consegue criar uma atmosfera envolvente. O ator que há muito tempo não fazia nenhum papel que chamasse atenção, emplacou finalmente uma indicação ao Oscar como melhor ator.

O filme é baseado na história real do alpinista Aron Ralston, que ficou preso pelo braço em uma rocha por dias, durante uma de suas aventuras. A história é simples e antes de assistir ao filme fiquei me indagando como alguém poderia fazer algo interessante, considerando que tudo se passa no mesmo “buraco” o tempo todo. Como já era de se esperar, Danny Boyle conseguiu fazer um longa dinâmico que mescla situações de aflição com humor.

A edição veloz e cenas aceleradas criam a impressão de agitação no filme, livrando-o de qualquer sensação tediosa. As expressões faciais de James Franco são impecáveis e variam aos mais díspares sentimentos em questão de segundos, consagrando sua atuação. A mistura de alucinação e humor negro desloca o espectador da agonia que está por vir. A opção por ângulos tão próximos não foi usada em vão, com esta atmosfera cria-se uma intimidade com o público e o permite sentir todas as sensações, sejam boas ou ruins. O diretor optou pelo uso do split-screen (divisão de tela), onde intercala várias imagens ao mesmo tempo, suspendendo algumas situações como se contasse uma história paralela ou dando ênfase em alguma ocasião.

127 horas vai te fazer refletir sobre suas atitudes, como por exemplo, qual a última vez que você disse aos seus pais que os ama. Você sai da sessão inspirado, pensando no valor da sua vida. O filme é sobre superar as tensões físicas, emocionais e intelectuais. É sobre o amor, responsabilidade e vontade de viver.

Um dia de cão

2011-01-16T13:39:00.010-02:00

John Cazale como "Sal" e Al Pacino como "Sonny"

Um dia de cão (Dog Day Afternoon, 1975) é baseado na história verdadeira do criminoso Sonny Wortzik, que decide assaltar um grande banco em Nova York e acaba se colocando em uma situação catastrófica. As coisas começam a dar errado logo no início, quando um dos companheiros de Sonny (interpretado brilhantemente por Al Pacino) resolve desistir do assalto em plena ação. Sua única companhia agora é Sal (John Cazale), que é nitidamente uma pessoa perturbada.

Diferente do que se pode imaginar sobre assaltantes, Sonny é uma criatura quase dócil que se preocupa com os reféns e não tem intenção de machucar ninguém. Seu único desejo é sair do banco são e salvo. A mídia e a população também fazem parte do cenário no qual o filme se desenrola, e aos poucos o carisma de Sonny contagia os novaiorquinos que passam a apoiá-lo, causando enorme frustração aos policiais. Uma cena emblemática é quando o assaltante sai do banco para recolher as pizzas que pediu - preocupado com a alimentação dos reféns - e joga dinheiro no ar para o público presente.

Além de todo o caos instalado, quando descobrimos o motivo do roubo percebemos o quão fascinante e surpreendente é a história.
Embora seja um filme dramático, Um dia de cão traz muitas cenas cômicas misturadas ao frenesi do enredo. Al Pacino encarna o "vilão" como nenhum outro poderia ter feito. Sidney Lumet acerta em cheio nas suas escolhas, tanto do elenco quanto das situações dramáticas.

À moda da casa

2011-01-06T00:00:00.007-02:00

Todo filme que se arrisque a envolver temáticas polêmicas em seu enredo corre sério risco de ser atingido por críticas negativas. Isto é o que aconteceu com À moda da casa (Fuera de carta, 2008), dirigido por Nacho G. Velilla que traz como seu protagonista um homossexual que é chefe de um restaurante e se envolve com um ex-jogador de futebol famoso. Além de tomar conta do estabelecimento e viver sua conturbada vida amorosa, ele ainda se vê obrigado a cuidar dos filhos crescidos que não tinha contato.

Como disse no início, o longa de Velilla é alvo de críticas que o colocam como homofóbico, devido suas piadas grosseiras e o estereótipo do personagem principal. Acho uma grande besteira, pois o filme não quer ofender a comunidade gay em nenhum momento. Pelo contrário, mostra como um gay leva uma vida comum, podendo ser bem sucedido em sua carreira profissional e responsável. As piadas beiram ao humor negro, mas isto não deprecia os personagens. Pude dar bastante gargalhadas com À moda da casa como não dava há tempos, devido a minha dificuldade em achar graça em comédias. É nítida a inspiração no diretor Pedro Almodóvar, o que traz mais um ponto positivo ao longa. Um bom entretenimento com grandes situações dramáticas que de tão absurdas se tornam engraçadas.

Tokyo!

2010-12-30T18:51:00.010-02:00

Já experimentou assistir um filme que é feito por vários diretores, sendo cada um responsável por uma história diferente? Percebeu como variam os gostos, atores, roteiros, mas no final tudo fica harmônico? Se você nunca assistiu a um filme assim, deveria começar por Tokyo!.

Michel Gondry (O brilho eterno de uma mente sem lembranças), Leos Carax (The Lovers on the Bridge) e Joon-ho Bong (Memórias de um assassino) são os responsáveis por esse longa que reúne histórias que se passam na cidade de Tokyo e dividem além do cenário, o sentimento de ser um "outsider" com sua devida dose de esquisitice - no seu melhor sentido.

Sendo assim, os segmentos são divididos em "Interior Design", "Merde" e "Shaking Tokyo". O primeiro conta a história de um casal que tenta se adaptar à cidade, o segundo traz uma criatura esquisita que sai de um bueiro aterrorizando a cidade e o último é sobre um jovem isolado que após um terremoto se apaixona por uma entregadora de pizza. Sei que isto soa muito estranho e completamente sem nexo, mas acredite que é muito divertido de assistir. É tão belo ver a mente dos três diretores trabalhando sobre um mesmo 'tema' e a capacidade de cada um deles produzir algo tão diferente e surreal. E é aqui que reside o grande prazer de assistir Tokyo!, sair das convenções, se deixar levar pela fantasia que se materializa na tela do cinema e compartilhar a sensibilidade de enxergar de perto esses elementos que vivem numa megalópole. Muita gente vai achar ruim, tenho plena consciência, mas acho que pelo menos a experiência de assistir um filme dessa natureza é válida, nem que seja para odiá-lo.

Cisne Negro

2010-12-30T13:34:00.013-02:00

"Poderoso" seria um bom adjetivo para descrever Cisne Negro (Black Swan, 2010/estreia no Brasil 2 de fevereiro de 2011), novo filme de Aronofsky que tem em sua carreira trabalhos maravilhosos como O Lutador (2008) e Réquiem para um Sonho (2000). Novamente somos surpreendidos pela incrível combinação de fatores - atuação, fotografia, figurino, maquiagem - que inebriam o espectador.

Nina (Natalie Portman) é uma bailarina de uma companhia de dança que é consumida completamente pela sua profissão. O diretor artístico do ballet (Vincent Cassel) decide aposentar Beth (a primeira bailarina) para produzir uma nova temporada - O Lago dos Cisnes* - e Nina vê sua oportunidade de finalmente brilhar e ser reconhecida. Depois de testes, Nina consegue ser escolhida para estrelar o espetáculo, embora não imagine todas as dificuldades que vai enfrentar para dançar o Cisne Negro.

Além de uma história muito interessante, Aronofsky aproveita muito bem o ballet de Tchaikovsky para produzir lindas cenas de dança que não seriam nada sem a fotografia de Matthew Libatique (que também trabalhou em Réquiem para um sonho, Tudo está iluminado, Homem de Ferro 1 e 2). A sequência inicial já incita o que está por vir nos 108 minutos perturbadores. Natalie Portman tem uma performance brilhante, assim como os atores Vincent Cassel e Mila Kunis, que são fundamentais para o constraste com a personagem Nina. Maquiagem e figurino também merecem ser destacados, assim como a trilha sonora produzida por Clint Mansell - que já foi elogiado no post anterior.

Já assisti Cisne Negro duas vezes e pretendo assistir sua estreia em fevereiro, pois é aquele tipo de filme que quanto mais se vê, mais se gosta, além de ser rico em detalhes que vão sendo descobertos aos poucos. Este com certeza merece o valor de seu ingresso.

* Balett dividido em IV atos onde uma princesa é transformada em cisne; O encanto só será quebrado se alguém puder amá-la.

Moon

2010-12-16T20:18:00.013-02:00

Moon (2009), dirigido por Duncan Jones (filho do roqueiro David Bowie) além de ser um grande filme de ficção científica, contempla o gênero drama muito bem. Entre inúmeros aspectos positivos sobre essa película, acho justo começar pelo pôster notável (que pode ser visualizado em maior tamanho ao clicar na imagem). A história poderia cair nos clichês manjados da ficção, como invasões alienígenas, computadores revoltados, mas Moon vai muito além. Aqui a preocupação gira em torno do personagem Sam Bell (interpretado por Sam Rockwell), astronauta em missão contratado pela indústria Lunar, encarregado de supervisionar extração de hélio na lua para fornecimento de energia ao planeta Terra. Este é apenas o pano de fundo de uma história muito mais profunda que se desenrola ao sabermos que Sam está afastado de sua filha e esposa há quase três anos. Sua única companhia é o robô Gerty (dublado por Kevin Spacey) que nos lembra - inevitavelmente em um primeiro momento - o famoso Hal 9000, o vilão de 2001: Uma Odisséia no Espaço. Inevitável a comparação, mas logo conseguimos distinguir nitidamente as diferenças entre os robôs. Enquanto Hal 9000 é malvado, Gerty é atencioso e quase carinhoso.

Devido ao isolamento extremo, Sam sofre de uma crise existencial que será agravada por outros elementos da trama que eu devo manter em segredo para os que ainda não tiveram a oportunidade de assistir. Vale lembrar que além da história ser atraente, a atuação de Sam Rockweel é digna de estatueta e já vale o filme. Embora seja ficção científica, o público é envolvido pelo filme devido ao seu caráter dramático ao retratar as angústias humanas como a solidão, melancolia, perda e isolamento, sentimentos que todos nós tememos. Outro ponto positivo para a obra do iniciante Duncan Jones é a fotografia realista feita por Gary Shaw e trilha sonora executada pelo genial Clint Mansell, respeitável por Requiem Para um Sonho (2000), O Lutador (2008) e o aguardado Cisne Negro (2010).

RED - Aposentados e Perigosos

2010-12-09T12:29:00.013-02:00

John Malkovich interpreta Marvin Boggs

Adaptado do quadrinho de Warren Ellis e Cully Hammer, RED - Aposentados e Perigosos estreou esse ano nos cinemas como uma surpresa boa. Liderado pelo conhecido Bruce Willis (o eterno John McClaine de Duro de matar), o elenco conta com Morgan Freeman, John Malkovich e Mary-Louise Parker (conhecida pela série Weeds).

Tudo começa quando o ex-agente da CIA Frank Moses (Bruce Willis) se torna alvo da própria agência. Essa perseguição se dá ao longo da trama, envolvendo outros ex-agentes e ainda Sarah (Mary-Louise Parker) que não deveria estar ali. Mentiras clássicas de filmes de ação à parte, o longa de Robert Schwentke surpreende positivamente pela dosagem cômica atribuída aos personagens Sarah e Marvin Boggs (John Malkovich). A primeira é extremamente espontânea e simpática. O segundo cativa pela seu eterno estado de neurose e acidez. Já na dosagem de ação, Schwentke também acerta usando as velhas fórmulas - as famosas mentiras que contradizem as leis da física. RED cumpre bem o papel de entretenimento e até se destaca dentro dos filmes de seu gênero, além de trazer um elenco de primeira.

"É difícil dizer se o mundo em que vivemos é uma realidade ou um sonho"

2010-12-05T23:16:00.005-02:00

Nada como um bom cinema oriental para percebermos a força da famigerada frase "uma imagem vale mais que mil palavras". Casa Vazia (Bin-Jip, 2004) é um filme coreano do diretor Kim Ki-Duk que mostra muito bem como contar uma história somente pelas imagens.

Um rapaz vagueia pelas ruas colando panfletos na porta das residências e ao descobrir que a casa está vazia, a invade e mora como se fosse o dono do lugar. Isso inclui lavar as roupas, cozinhar, cuidar do jardim e fazer pequenos consertos em objetos domésticos. Até que um dia a casa invadida não está tão vazia assim e ele encontra uma mulher que acabou de apanhar de seu marido. Desde seu primeiro momento, Casa Vazia enaltece o silêncio e o utiliza como grande aliado para o desenrolar da trama. O filme é uma aula de técnica e linguagem cinematográfica, onde o uso magistral da câmera nos contempla com belíssimas elipses. É repleto de metáforas sobre a vida e nos deixa surpresos com a sua capacidade de unir "sonho" e "realidade". Tem a duração ideal, os atores competentes, ritmo lento sem ser tedioso. Kim Ki-Duk fez um trabalho belíssimo e poético. Prova que nem sempre o glamour e efeitos especiais são fundamentais para se fazer um bom filme. Neste caso até as palavras são dispensáveis.

Muita Calma Nessa Hora

2010-11-29T22:38:00.029-02:00

Divulgação.............

Elenco afinado faz da obra, escrita tambem por Mazzeo, um marco no gênero

Dirigido por Felipe Joffily, Muita Calma Nessa Hora é um soberbo desfile de atuações irretocáveis, graças a um elenco acertado, que vai desde a conhecida - e competentíssima - Débora Lamm (Cilada) até o semianônimo Luis Miranda, alavancado pelo espetáculo teatral Terça Insana, ou Marcos Mion - atualmente em baixa à frente de um programa lastimável em rede aberta.

Dito isso, não vejo outra alternativa, senão a de alterar a crítica e prestar homenagem, nome a nome, aos responsáveis por esta memorável obra nacional: Andréia Horta, Débora Lamm, Fernanda Souza, Gianne Albertoni, Laura Cardoso, Lúcio Mauro, Louise Cardoso, Marcelo Tas, Ellen Roche, Bruno Mazzeo, Hermes e Renato, Lucio Mauro Filho, Leandro Hassum, Maria Clara Gueiros, Dudu Azevedo, Luis Miranda, Nelson Freitas, Marcos Mion, André Mattos, Thelmo Fernandes, Sérgio Mallandro, Heloísa Perissé, Marcelo Adnet e Creo Kellab.

Vale conferir: em dado momento do filme, o emblema do Botafogo é mostrado - por duas vezes -, bordado no boné de um figurante.

Filadélfia (1993)

2010-11-28T03:26:00.014-02:00

Divulgação............ Hanks e Denzel valorizam o filme de Demme, vencedor de dois Oscar®

Ao som da ótima Streets of Philadelphia (vencedora do Oscar® de Melhor Canção Original), de Bruce Springsteen, Jonathan Demme orienta sua atemporal narrativa, em Filadélfia (Philadelphia, no original), amparado por seus grandes protagonistas: Tom Hanks (também agraciado com o Oscar® - Melhor Ator) e Denzel Washington, sempre preciso.

Na trama, representam uma dupla de advogados que se une a fim de processar uma importante firma de advocacia por discriminação. Além da dupla de notáveis, o diretor tem a seu favor o contexto (ainda) acrônico, capaz de catapultar e tornar verossímil sua obra ainda hoje.

José e Pilar

2010-11-24T22:54:00.019-02:00

Divulgação.............

Cúmplices, Saramago e Pilar norteiam a bela homenagem de Miguel Mendes

Na tela, em José e Pilar, Miguel Gonçalves Mendes rompe com a maneira comum de se produzir o gênero e revela o lado desconhecido de José Saramago, escritor português laureado em 1998 com o Prêmio Nobel de Literatura. Escusado seria observar a total devoção do autor à sua esposa, Pilar del Río, jornalista a quem dedica toda sua obra e, mais, sua vida.

Por meio do cotidiano do escritor, o diretor exterioriza a visceral relação do casal, em um documentário sensível, revelador - é durante a trama que o autor escreve A viagem do Elefante - e emocionante. José e Pilar é uma justa homenagem póstuma ao único Prêmio Nobel de Literatura em língua portuguesa.

As Locuras de Dick & Jane

2010-11-20T17:53:00.017-02:00

Divulgação0000000

Jim (esq.) e Téa Leoni: harmonia em cena resulta em um filme divertidíssimo

Por vezes subtraído à condição única de "ator de comédia", Jim Carrey tem em dramas - como Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças, Cine Majestic e O Show de Truman - o ponto alto de sua carreira. Sobretudo porque é, neste gênero, que Jim rechaça, com atuações incólumes e desconcertantes - possivelmente ante a incrédulos olhos -, o rótulo minimalista que lhe é atribuído equivocadamente.

Na deliciosa comédia As Loucuras de Dick & Jane (Fun with Dick and Jane, no original), de Dean Parisot, o ator repete a fórmula que lhe garantiu notoriedade na indústria cinematográfica. Na trama, Jim atua em perfeita sinfonia com a bela Téa Leoni, a qual interpreta Jane Harper, sua esposa. Juntos, os atores garantem o sucesso do hilário longa, que narra a trajetória de um casal mergulhado em dívidas.

Somos Marshall

2010-11-16T23:09:00.024-02:00

Divulgação/Warner Bros0000000

Matthew McConaughey (esq.) e Fox engrandecem a bela obra de McG

À primeira vista, Somos Marshall (We are Marshall) parece ser mais um dos filmes da safra de longas que usam - e abusam - do esporte como metáfora para transmitir sua mensagem. No entanto, o diretor McG (As Panteras) renuncia e transcende ao estilo previsível - comumente usado para preencher grade de emissoras - em seu âmago. Desde um bom roteiro até a escolha de um conhecido e sintônico elenco, com Matthew McConaughey (Como Perder um Homem em 10 dias), Matthew Fox (o eterno Jack de Lost) e David Strathairn (Rio Selvagem), Somos Marshall não cansa de ensinar e emocionar ao longo de pouco mais de 2h de exibição.

No filme baseado em fatos reais, Matthew McConaughey é Jack Lengyel, um treinador cuja missão é a de manter vivo o espírito de um time cuja maior parte da equipe morreu em um acidente aéreo.

Era uma Vez no Oeste

2010-11-11T21:43:00.008-02:00

Woody Strode, Jack Elam, Al Mulock encontram Charles Bronson

Era uma vez no Oeste acaba de entrar pra minha lista de melhores filmes já vistos. Do diretor Sergio Leone, essa obra prima é obrigatória na vida de qualquer amante do cinema que se preze. Este western de 1968, conta com a ilustre presença de Henry Fonda que encarna um assassino com apáticos olhos azuis, chamado Frank; Charles Bronson no personagem “sem nome” que é referido como “Gaita” (ou Harmônica, dependendo da tradução) por carregar consigo o instrumento e tocá-lo ao longo do filme, embalando a trilha que com certeza fica na sua cabeça por um bom tempo. Esses dois sujeitos são essenciais no desenrolar da trama, que traz também Claudia Cardinale (8 1/2) com sua beleza ímpar e Jason Robards (Magnólia).

Com os impressionantes 165 minutos de duração, o longa é uma obra de arte digna de contemplação. O filme foi colorido com a técnica Technicolor e as cores desempenham papel fundamental na construção da história, pois os olhos coloridos dos atores têm grande importância para elucidação dos fatos narrativos. É através de grandes sequências e planos muito bem pensados que Sergio Leone vai fornecendo informações que são importantes para o fim. Os closes são utilizados como trunfo pelo diretor que explora a dramaticidade implicada nesse plano e a atmosfera psicológica dos personagens. Como um quebra-cabeça, os personagens vão se organizando nos planos abertos e atingem formações quase sempre simétricas, dignas de uma pintura ou fotografia. Poderia me alongar, pois essa obra é rica em detalhes que merecem ser explorados, porém a crítica deve ser sucinta.

Antes de terminar, gostaria ressaltar a sequência inicial que merece ser observada com carinho e que foi em grande parte responsável por toda a atenção que dei ao filme. Nunca vi alguém filmar tão bem o vazio de uma espera. Woody Strode, Jack Elam e Al Mulock esperam o trem e Sergio Leone consegue filmar o “nada” com maestria. Uma mosca e uma goteira são os “protagonistas” desse tempo sem acontecimentos, traduzido em uma sequência espetacular que é um deleite pra quem assiste.

Tropa de Elite 2 - O inimigo agora é outro

2010-11-10T11:39:00.030-02:00

Alexandre Lima00000000

Como Fraga, Irandhir Santos ofusca seu antagonista Nascimento (Wagner Moura)

Não é mais novidade para ninguém que, no primeiro longa da série de José Padilha, o roteiro - assinado por Padilha, Rodrigo Pimentel e Bráulio Mantovani - não foi respeitado. Em Tropa de Elite (2007), inicialmente, a história devia girar em torno de Mathias (interpretado por André Ramiro). A atuação destacada do Capitão Nascimento - possibilitada pelo estilo "câmera na mão" de Padilha - no entanto, obrigou a alteração, através da montagem, do roteiro original.

Já em Tropa de Elite 2, o enredo - assinado por Mantovani - é seguido à risca e responsável pelo claro amadurecimento ideológico da saga narrada em off por Nascimento. O filme tenta dimensionar o cenário anárquico ao qual estamos inseridos. Faz denúncias mais consistentes e presta, de fato, um serviço à população, que possivelmente não tem a exata dimensão do problema - ao contrário do que ocorre com o primeiro longa, cuja denúncia é pública, notória e, pior, incentivada diretamente por nós.

No campo de atuação, Irandhir Santos, na pele do ativista de Direitos Humanos Diogo Fraga, toma o filme para si com mais uma atuação memorável - a exemplo do que fizera como o vilão Noca, em Besouro (2009) -, tal qual Milhem Cortaz, que repete o sucesso de seu personagem (Capitão Fábio) através de um desempenho seguro e hilário. Nascimento (Wagner Moura) evoluiu junto à trama que promete registrar a maior bilheteria da história do cinema nacional.

Apenas o fim

2010-11-01T20:17:00.010-02:00

Com apenas uma hora e vinte minutos, Matheus Souza - estudante de cinema na PUC - consegue fazer um filme muito interessante e recheado de coisas que fizeram parte do cotidiano de uma geração. A história se passa dentro da própria universidade, onde um casal vive o último dia de namoro.

Apenas o fim é o primeiro longa desse jovem universitário que constrói um roteiro cheio de referências a diretores e filmes, além de videogames e outros elementos da cultura pop. Com uma estética limpa e sem muita experimentação, o que pesa são os diálogos inteligentes que muitas vezes acabam sendo engraçados. Star Wars, O Brilho Eterno de Uma Mente sem Lembranças, Mario Bros, Bergman, Vovó Mafalda, etc são algumas das referências que o filme traz. Talvez seja um belo retrato da geração dos anos 90, vale conferir.

Os Famosos e Os Duendes da Morte

2010-10-23T20:55:00.025-02:00

Os famosos e os duendes da morte (de Esmir Filho, 2009) como já disseram em alguns blogs de crítica é um filme sobre essa juventude "colorida" ou EMO. Mesmo depois de ler algumas coisas deste gênero acerca do longa, não me limitei e resolvi assistir. O interesse inicial surgiu justamente pelo seu título um tanto quanto intrigante. Depois soube que era filme brasileiro, o que me deixou ainda mais curiosa. Que bom! O filme pode se tratar sim de uma juventude que muita gente não tem saco pra ouvir, mas vai além disso também. Não podemos ignorar o cuidado que o diretor teve na construção do filme, que mescla cenas de câmera profissional com câmera amadora e até páginas famosas como o próprio blogspot, youtube e flickr. Através desses detalhes ele vai construindo uma linguagem que essa geração se identifica. E talvez consiga de fato relatar um pedacinho do que eles sentem ou gostariam de dizer. Há segurança nas escolhas dos planos e a fotografia é belíssima.

O protagonista se intitula como Mr. Tambourine Man, música de Bob Dylan, artista do qual ele é fã e que embala a trilha sonora do longa. Isolado em uma cidade do Rio Grande do Sul, o 'guri' usa a internet como meio de conhecer o mundo. Parece que a cidade está pequena demais para ele e sua fixação por uma personagem feminina que aparece em alguns momentos.

Talvez este seja um filme para poucos, devido aos rótulos que vem recebendo e sua estética 'alternativa'. Para quem gosta de uma coisa mais experimental, acredito que seja uma boa pedida. É sensível e bonito de ver.

A Outra História Americana

2010-08-28T17:01:00.010-03:00

Edward Norton exita no papel do líder de gangue etnicista
Em A Outra História Americana (American History X, no original), primeiro filme do londrino Tony Kaye como diretor, Derek Vinyard (Edward Norton, irretocável) é um carismático líder de uma gangue, cujo grande objetivo é disseminar a (execrável e conhecida) ideologia de uma supremacia racial branca.

Protagonista, Norton é capaz de transitar, soberbo e sempre à vontade, em personagens completamente díspares - como o ilusionista Eisenheim, em O Ilusionista, ou o cientista Bruce Banner, em O Incrível Hulk. O ótimo e controverso longa de Kaye exige de Norton, na pele de Derek, a representação de dois extremos - ainda que num mesmo personagem -, a qual é desempenhada de forma ilesa.

Mary e Max

2010-08-26T00:46:00.007-03:00

Max e Mary alimentam uma relação imaculada ao longo da trama
De maneira louvável, em Mary e Max (Mary and Max, no original), o diretor Adam Elliot resgata duma só vez a animação produzida em massinha e relembra o (bom e velho) hábito da troca de correspondências por meio de cartas - algo quase inimaginável no atual cenário, infelizmente.

Ambientado na década de 80 e baseado em uma história real, o lúdico longa de Elliot conta - através de um narrador onisciente - a despretensiosa amizade entre uma australiana de oito anos e um nova-iorquino de 44. A animação aposta em contrastes e nuances para alcançar plenamente seu objetivo.

O Bem Amado

2010-08-05T01:10:00.011-03:00

Na pele de Odorico, Nanini se reinventa, em mais uma memorável atuação

Como de costume, em O Bem Amado, Guel Arraes investe em um elenco de (enorme) qualidade para compor esta divertidíssima sátira política baseada na - atemporal - obra de Dias Gomes.

No longa, o competentíssimo diretor de A Grande Família reedita a dupla que usa no seriado: Marco Nanini e Tonico Perreira em papéis "antagônicos". Nanini é Odorico Paraguaçu, prefeito eleito de Sucupira; Tonico é Vladimir, dono do único jornal da cidade e principal opositor de Odorico. O elenco ainda é incrementado por nomes como Caio Blat, Andréa Beltrão, José Wilker, Zezé Polessa, Drica Moraes etc.

Destaque para a soberba atuação de Nanini - que se reinventa a cada papel -, trilha sonora (na voz incofundível de Caetano Veloso), marchinhas e figurino, o qual respeita piamente a época que se quis explorar. E, claro, a Guel Arraes por mais esta obra prima do cinema nacional.

Pequeno Milagre

2010-08-04T02:19:00.007-03:00

Logo após A Cura, Joseph Mazzello (esq.) emplaca outro grande drama

Nos moldes de A Cura, de Peter Horton, Pequeno Milagre (Simon Birch, no original), de Mark Steven Johnson, é um emocionante registro da trajetória de Simon Birch, o menor bebê nascido no Gravestown Memorial Hospital.

Com problemas de crescimento, Simon - brilhantemente interpretado por Ian Michael Smith - foi sentenciado pelos médicos logo que veio ao mundo. Sua expectativa de vida parecia irrisória. Desde cedo, porém, o jovem contrariou a lógica e foi declarado um verdadeiro milagre. Cônscio de sua condição, o pequeno Simon resolve, ao lado de Joe (Joseph Mazzello, Jurassic Park), seu melhor amigo, justificar a alcunha que lhe fora atribuída.

Baseado na obra de John Irving, Pequeno Milagre conta com um elenco recheado de rostos conhecidos, como Ashley Judd (Beijos Que Matam), Oliver Platt (Pânico no Lago) e Jim Carrey, cuja participação é especial. Assistir a Pequeno Milagre é exercício obrigatório a todo e qualquer cidadão, pois aborda questões as quais nunca serão por demais suficientes.

Copacabana

2010-07-27T22:07:00.012-03:00

Copacabana (2001), de Carla Camurati, é mais uma deliciosa homenagem que a arte presta - desta vez em película -, à charmosa Princesinha do Mar. Local no qual descansa, à beira-mar, o poeta, acompanhado recentemente por Caimmy. Ali, na mesma Copacabana onde guardo as melhores memórias lúdicas desta vida que passa cada vez mais depressa, correndo tão ou mais que Usain Bolt. Privilegiadíssima, no entanto, por ser inexoravelmente entremeada ao glamouroso bairro.

No filme, a diretora usa Marco Nanini (formidável, como de costume), no papel do fotógrafo Alberto, para narrar e protagonizar esta visita à memória do bairro que, ainda hoje, guarda enorme encanto aos que lá habitam ou simplesmente por ali passam. Como ator convidado, Tonico Pereira incrementa a obra com seu refinado humor. Toda e qualquer homenagem à Copacabana é justa. Vale observar esta última.

A saber: a imagem selecionada para ilustrar esta crítica não é da melhor qualidade, suponho dirão uns tantos. Com razão, sobretudo por se tratar de um print de um quadro do filme. Mas compete a mim esta seleção e, por razões óbvias, tem minha preferência.

Tudo está iluminado

2010-06-27T13:31:00.012-03:00

É engraçado voltar a escrever aqui depois de tanto tempo. Assisti milhares de filmes, porém não pude postá-los no blog devido ao excesso de trabalho. Hoje encontrei como válvula de escape escrever aqui sobre um filme entre muitos assistidos nesse hiatus.

Tudo está iluminado (Everything is Illuminated, 2005) não foi escolhido por acaso. Há muito tempo tenho na memória a imagem que ilustra este post. Tudo começou quando a vi pendurada em um cinema que eu costumava passar em frente todos os dias. Anos depois navegando pela internet me deparei com a mesma imagem e fiquei extremamente feliz com a oportunidade de finalmente descobrir o título, baixá-lo e assisti-lo. E não é que o filme é bom?

Dirigido por Liev Schreiber, Tudo está Iluminado conta a história de Jonathan (Elijah Wood), um jovem colecionador de memórias de sua família, desde fotos até punhados de terra que são religiosamente colocados em saquinhos lacrados com identificação e pendurados em uma parede. Essa paixão é tão intensa que Jonathan munido de uma fotografia, viaja à Ucrânia em busca da mulher que salvou seu avô dos nazistas. Daí em diante podemos nos deliciar com os personagens maravilhosos que aparecem no decorrer do filme. Começando pelo ucraniano Alex, interpretado pelo Eugene Hütz (vocalista da banda Gogol Bordello) com seu sotaque engraçadíssimo e seu avô que diz ser cego, mas dirige um carro.

O filme é lindíssimo em todos os sentidos. Os personagens são apaixonantes, a história é incrível, os diálogos são divertidos, sendo isto tudo mergulhado numa sensibilidade ímpar. Além disso podemos observar questões como choque de culturas e preservação da memória.

Ilumine-se!

O Mundo de Andy

2010-06-26T18:08:00.007-03:00

Jim Carrey confunde-se com o verdadeiro Andy Kaufman

Não poderia ser outro a interpretar Andy Kaufman, em O Mundo de Andy (Man On The Moon, no original), com seu humor peculiar - o qual não tinha, absolutamente, como objetivo final a risada de sua plateia -, que não o formidável Jim Carrey - diferente de tudo que já se viu do ator. Dirigido por Milos Forman e embalado sob deliciosa trilha do REM, o filme conta a trajetória do lendário e performático comediante americano Andy Kaufman.

Destaque para a irretocável caracterização dos personagens (sobretudo Jim) e escolha do elenco - respeitando os verdadeiros personagens -, que conta com nomes como Danny DeVito, sempre à vontade, e Paul Giamatti. Courtney Love, fora de tom, é a baixa da lista. Após o longa, para comparar, vale procurar vídeos do excêntrico (e imortal) artista.

Mãos talentosas - A história de Ben Carson

2010-06-22T00:32:00.013-03:00

Interpretando Ben Carson, Cuba Gooding Jr. emplaca outra grande atuação

Sempre excelente, Cuba Gooding Jr. é, em Mãos talentosas - A história de Ben Carson (Gifted Hands, no original), Benjamin Carson, um renomado neurocirurgião - precursor da hemisferectomia (remoção cirúrgica da metade afetada do cérebro) -, que, através da educação, contrariou o "senso comum" e tornou-se um dos mais importantes neurocirurgiões do mundo.

Dirigido por Thomas Carter e escrito por John Pielmeier, este registro biográfico passa, ao longe, da pieguice e apega-se à realidade do registrado. Tendo crescido em meio à pobreza - social e intelectual -, Ben não demonstrava grandes perspectivas. Atenta, sua mãe Sonya (Kimberly Elise) incentivou Ben para que explorasse toda a sua capacidade em prol do seu dom.

Ao final do filme, fica a sensação de poucas (ou nenhuma) lágrimas. O que, vale ressaltar, em nada diminui a obra, a qual ensina - e muito!

A Orfã

2010-06-21T00:04:00.008-03:00

Vera Farmiga (segundo plano) tem atuação destacada na obra de Collet
De Jaume Collet-Serra, o suspense A Órfã (Orphan, no original) tropeça em clichês do gênero - os quais, pela reincidência me fazem crer serem inevitáveis -, mas termina com o saldo positivo. Seu roteiro bem amarrado atrelado à uma dinâmica que tensiona o espectador - além de destacada atuação da bela Vera Farmiga como Kate - contam a favor deste longa que revela ainda (e, invariavelmente, fomenta), aos mais atentos, uma antiga relação de animosidade internacional.

*John (Peter Sarsgaard) e Kate (Vera Farmiga) passam por uma tragédia familiar. A perda de um de seus filhos faz com que, embora ainda tenham outros dois - Daniel (Jimmy Bennett) e Joyce (Lorry Ayers) -, resolvam procurar ajuda de um orfanato a fim de adotar mais uma criança. Mesmo depois de alertados das dificuldades de se adotar crianças já crescidas, a aparente maturidade e carisma de Esther (Isabelle Fuhrman) os conquista prontamente. A menina, no entanto, mostra-se maléfica, levando toda a família à loucura.

* Sinopse extraída do portal CinePop

Minha Vida Sem Mim

2010-06-12T01:23:00.012-03:00

Mark Ruffalo (destaque) é um dos pontos altos de Minha Vida Sem Mim

Minha Vida Sem Mim (Mi Vida Sin Mi, 2003, Espanha), de Isabel Coixet, é mais um daqueles filmes que abordam a questão da morte - por si só um tabu instigante e fascinante. Mais que isso: o fim anunciado. Vale lembrar que, dentro desta abordagem macro, existem outras tantas - merecedoras de igual atenção e reflexão.

Ann (Sarah Polley) é uma jovem de 23 anos, casada, sem qualquer estrutura familiar, mãe de duas filhas e que descobre ter câncer (em estado evoluído e irreversível) nos ovários. Desde então, a morte é sua única companhia. Ann decide então fazer uma lista de tudo o que devia/queria fazer antes de morrer.

Durante a trama alguns lembrarão, fatalmente, de Antes de Partir - com Nicholson e Freeman. É natural e inevitável, diria. No entanto, Minha Vida Sem Mim me parece (muito) mais bem acabado que aquele. Não é raso, tampouco frívolo. Explora suas questões de maneira mais plausível e menos elitista.

Entre as atuações, há de se destacar Mark Ruffalo - como Lee -, sem erros, visceral, irretocável. Um dos pontos altos do longa baseado na obra de Nancy Kincaid, sem dúvida.

Depp no País do Desperdício

2010-05-01T23:15:00.006-03:00

Apesar de mais uma boa atuação, Depp não consegue salvar a obra de Burton

Johnny Depp está para Tim Burton assim como Marco Nanini (ou Andréa Beltrão) está para Guel Arraes. A comparação que de início pode soar idiota, é sustentada em fatos. Depp participou de, pelo menos, seis produções de Burton – até este instante que escrevo. Desde Ed Wood (1994), A Lenda do Cavaleiro sem Cabeça (1999) tropeçando por coisas (!) como Sweeney Todd até o bobo Alice no país das maravilhas (Alice in wonderland, no original) - mais recente trabalho da dupla.

Em Alice..., Burton faz uma fraca releitura da obra de Lewis Caroll, a qual, não raro, causa decepção àqueles que ansiavam pela estreia. A obra é vazia, rasteira e previsível. O diretor me parece usar (o excelente) Depp como escudo para que seus devaneios artísticos alcancem alguma notoriedade. Neste último trabalho, pouco se exigiu do premiado ator - que insiste em aceitar papéis deste porte. Perde o cinema.

Ademais, retomando as comparações feitas no início deste texto, afirmo sem medo de errar: entre as dobradinhas que citei, prefiro a nacional. Que me desculpem os americanizados.

Alta Fidelidade

2010-04-01T00:02:00.010-03:00

Todd (dir.) ofusca Cusack (esq.) e rouba a cena em Alta Fidelidade

Baseado em romance homônimo, Alta Fidelidade (High Fidelity, 2000) pode ser observado por dois prismas, os quais resultariam em análises substancialmente extremas. Sob o ponto de vista de roteiro, a película de Stephen Frears - também assinada pelo protagonista John Cusack - é inegavelmente interessante. No entanto, fracassa como comédia ao insistir na malograda fórmula norte-americana de explorar o gênero, com atitudes e situações das mais débeis possíveis.

Protagonista, Cusack tem atuação irregular ao longo da obra. Por vezes é caricato - sobretudo em cenas de exaltação do personagem. Em via contrária vão Jack Black e Todd Louiso - grata surpresa pra mim -, soberbamente à vontade no papel de um débil mental.

Em que pese meu parecer, na balança da predileção, Alta Fidelidade merece ser observado. Nem que seja para descobrir um novo passatempo capaz de desbravar dissimulada e inocentemente propensões de terceiros.

O Auto da Compadecida

2010-02-20T01:19:00.007-02:00

Divulgação

O Auto da Compadecida, de Guel Arraes, pertence àquele seletíssimo grupo dos filmes que estão à altura das obras nas quais foram inspiradas. Conhecido, muito também, por estar à frente de A Grande Família, o seriado de maior sucesso da Globo, Guel se notabilizou por ter êxito em suas empreitadas. Criou célebres programas como TV Pirata e A comédia da vida privada e seu remake de A Grande Família chega, com sobras, à nona temporada elevando Guel ao rol de grandes diretores deste país.

Guel faz uso de uma técnica quase infalível - o que, em nada, diminui seu valor: cerca-se de atores de incontestável talento para que comece a revelar toda a sua destreza na direção. Aqui, é indispensável que mencione boa parte deste elenco para que possamos mensurar com nitidez. Matheus Natchergaele é João Grilo, Selton Mello é Chicó, além de Diogo Vilela, Denise Fraga, Lima Duarte, Marco Nanini, Fernanda Montenegro, Rogério Cardoso, Bruno Garcia etc. A julgar por este elenco de estrelas, imagina-se ser o restante (adaptação, direção...) fácil. O engano está aí. Basta lembrar da obra prima originária, escrita por Ariano Suassuna, que nos faz gargalhar sem que faça uso de qualquer tipo de ilustração - saliento pois estamos cada vez mais reféns da imagem. Sua arma é somente o (brilhante) texto, sobretudo para fazer suas críticas veladas e perfeitamente direcionadas.

Fazer algo à altura de O Auto da Compadecida era tarefa quase impossível. Impensável, dada a autossuficiência do livro de Suassuna. Até que Guel Arraes teve a petulância de tentar e voilà...conseguiu. Este verdadeiro feito lhe rendeu premiações, como a de melhor diretor, melhor roteiro adaptado (aqui com Adriana e João Falcão), além de prêmio do público em Miami, no Festival de Cinema Brasileiro.

É comum ouvirmos reclamações - justas, por sinal - acerca da disparidade de obras, quando adaptadas de um livro para o cinema. Muitas, inclusive, são inadaptáveis. Neste caso exepcionalmente, porém, não há esta diferença. Muito pelo contrário. As duas obras são igualmente indispensáveis.

NINE

2010-02-10T15:51:00.005-02:00

Sempre tive uma resistência a musicais. Mas de uns anos pra cá venho amolecendo esse meu coração duro e dando a chance de pelo menos assisti-los. E nada como o mais famigerado musical do momento para me convencer de sair de casa e ir ao cinema.

Nine é o novo musical de Rob Marshall (Chicago) com um elenco incrível: Daniel Day Lewis, Kate Hudson, Nicole Kidman, Penélope Cruz, Marion Cotillard e até Sophia Loren. Devo confessar que fui assisti-lo com a única informação: "Um musical com a Penélope Cruz". Não sabia sobre o que se tratava, mas logo nos primeiros 20 minutos reconheci ali uma história familiar.

Baseado num musical da Broadway, Nine é inspirado pelo filme autobiográfico de Federico Fellini, Oito e Meio, e conta a história de Guido Contini (Daniel Day-Lewis), um famoso diretor de cinema que perde a criatividade no meio de uma crise e procura conforto nas mulheres de sua vida: a esposa (Marion Cotillard), a amante (Penélope Cruz), a atriz que é sua musa (Nicole Kidman), sua melhor amiga e figurinista (Judi Dench), uma jornalista (Kate Hudson), uma prostituta (Fergie) e sua mãe (Sophia Loren).

Entre as atrizes o destaque fica para Marion com sua beleza e atuação hipnotizante, não podendo deixar de lado Fergie por ter me surpreendido e se superado na cantoria. Kate Hudson que nunca me chamou atenção está deslumbrante. Já Penélope que foi o grande motivo da minha ida ao cinema fez seu papel muito bem e estava muito bonita, porém me deixou com a sensação de que seus últimos papeis parecem ser a mesma personagem.

As coreografias e o figurino não decepcionam, assim como a fotografia. Já as musicas que são a chave para um bom musical tem seus altos e baixos. Em algumas canções eu torcia para durar mais do que deveria, já em outras desejava um controle remoto para pressionar o fast forward.

Dos números apresentados no filme (fica difícil escolher um só), destaco três: Marion em "Take It All", Fergie em "Be Italian" e Kate Hudson em "Cinema Italiano".

Nine está concorrendo ao oscar por Melhor atriz coadjuvante (Penélope Cruz), Melhor Direção de Arte, Melhor Figurino e Melhor Canção Original (Take it All). Agora só nos resta esperar.

As Horas

2010-02-02T11:39:00.008-02:00

As Horas (2002), dirigido por Stephen Daldry é um drama que conta com um elenco de peso: Nicole Kidman, Juliane Moore, Meryl Streep e Ed Harris. Além de chamar atenção pelos atores envolvidos o filme é maravilhoso.

Em três períodos diferentes vivem três mulheres ligadas ao livro "Mrs. Dalloway". Em 1923 vive Virginia Woolf (Nicole Kidman), autora do livro, que enfrenta uma crise de depressão e idéias de suicídio. Em 1949 vive Laura Brown (Julianne Moore), uma dona de casa grávida que mora em Los Angeles, planeja uma festa de aniversário para o marido e não consegue parar de ler o livro. Nos dias atuais vive Clarissa Vaughn (Meryl Streep), uma editora de livros que vive em Nova York e dá uma festa para Richard (Ed Harris), escritor que fora seu amante no passado e hoje está com Aids e morrendo.

Nicole está irreconhecível com o seu nariz postiço, mas este truque funciona muito bem com o objetivo de deixá-la mais parecida com a verdadeira Virginia Woolf, Juliane está intensa e dramática e Meryl Streep fabulosa (como sempre).

Um detalhe que não pode ser esquecido é a montagem. É maravilhosamente bem feita, se tornando um dos grandes fatores responsáveis pela complexidade do filme. Trilha sonora comove exercendo seu papel com êxito, assim como o roteiro dono de frases que cortam o coração.

Não ligue se quando o longa acabar você ficar com a sensação de que algo não foi compreendido. Demorei alguns dias para escrevê-lo aqui, pois estava ruminando a história. Mas depois de completamente entendido, percebi o maravilhoso drama que Daldry realizou.

Vício Frenético

2010-01-22T21:06:00.006-02:00

Vício Frenético (Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans) é de 2009, porém só chegou às telas brazucas em 2010. Está no circuito e merece ser visto não só pela direção de Werner Herzog como pela surpreendente atuação de Nicolas Cage, ator que tem uma enorme carreira com muitos escorregões.

Após salvar um prisioneiro de afogamento em decorrência do furacão Katrina, o detetive Terence McDonagh (Nicolas Cage) é promovido a tenente. Com a coluna seriamente contundida, passa a depender de analgésicos para aguentar a dor. Um ano depois, está viciado em Vicodin e cocaína, mas continua trabalhando em nome da lei. Quando uma família de imigrantes africanos é assassinada, ele é nomeado para o caso e sai à procura do assassino. Mas seu próprio envolvimento em atividades ilegais compromete seus padrões morais e ameaça colocar sua missão em risco.

O filme é uma viagem. Acompanhamos o protagonista na sua decadência e sentimos junto com ele sua angústia. São acontecimentos absurdos, um após o outro, em consequência dos péssimos hábitos do tenente corrupto e viciado. Talvez, o que deixe o espectador mais chocado é imaginar que tudo que é abordado no longa, pode estar acontecendo fora das telas.

Um toque genial dado por Herzog são as cenas de delírio do protagonista. Caem como uma luva dentro do filme e são muito bem executadas. Em alguns momentos, pode-se confundir a realidade com essas alucinações. Brilhante.

Sobre a atuação de Nicolas como já disse no início do post, é surpreendente. Me arrisco a concordar com uma das frases contidas no pôster: “... a melhor atuação de Nicolas Cage nos últimos anos.” Eva Mendes, como sempre está estonteante do jeito que só ela sabe ser.

Obs.: Este é uma refilmagem de uma obra com o mesmo título de 1992, dirigida por Abel Ferrara.

Quem pagará o enterro e as flores se eu me morrer de amores?

2010-01-19T17:48:00.010-02:00

Vinícius, é um documentário dirigido por Miguel Faria Jr. (O Xangô de Baker Street, 2001) , que homenageia e nos dá oportunidade conhecer melhor o grande poeta e músico Vinícius de Moraes.

Conta com a participação de amigos e familiares que conviveram com o artista. Dentre esses, temos músicos e poetas como Ferreira Gullar, Chico Buarque, Maria Bethânia, Gilberto Gil, Caetano, etc. que vão moldando junto com as ex-esposas e filhas, sua trajetória. Conhecemos assim não só o artista, mas o ser humano que existia ali, rodeado de whisky, mulheres e amigos.

Os poemas são declamados por Camila Morgado e Ricardo Blat entre as entrevistas. Os entrevistados exploram desde a intimidade de Vinícius e sua necessidade de estar apaixonado, até a importância dele para a música brasileira. Vemos todas as misturas que foram ocorrendo ao longo de sua carreira, fazendo-o conhecido pelo mundo todo e sendo um dos poetas mais traduzidos.

Pra quem gosta ou quer conhecê-lo, vale a pena assistir.

Sherlock Holmes

2010-01-18T00:21:00.004-02:00

Depois de dirigir filmes maravilhosos como Snatch – Porcos e Diamantes (2000) e Jogos, trapaças e dois canos fumegantes (1998), Guy Ritchie acerta em cheio mais uma vez no seu novo longa Sherlock Holmes. Além de um excelente diretor, o filme conta com Robert Downey Jr. (Homem de Ferro) e Jude Law(Closer – Perto demais), estrelando magistralmente o papel de Sherlock e Watson.

Ritchie inova a história do investigador mais famoso da literatura britânica, atualizando o personagem para os tempos modernos. O filme pode decepcionar um pouco àqueles que esperam o mesmo detetive dos livros. Diferente do que se imagina, não vemos na tela a origem dos personagens. Sherlock e Watson tem uma relação engraçadíssima que dá um toque especial. Com sua habilidade lógica e suas neuroses, o Sherlock de Ritchie torna um filme comum em um espetáculo cinematográfico. Quando o detetive tem suas idéias brilhantes podemos acompanhar seus movimentos calculados em cenas slow motion, mostrando toda a ação antes de acontecer.

O filme foi feito para agradar ao público, ser grande sucesso no cinema e conseguiu. O que me incomodou foi a possibilidade de ter uma franquia. Me assusta a quantidade de histórias que conseguiram ser estragadas com as continuações horrorosas. Este merece ser peça única.

O Mensageiro do Diabo

2010-01-06T13:54:00.005-02:00

Único filme dirigido pelo ator Charles Laughton, O Mensageiro do Diabo ( Night of the Hunter, 1955) é um suspense-noir inimitável. O longa conta com a atuação maravilhosa de Robert Mitchum como o protagonista Harry Powell.

Harry é um assassino de esposas das quais rouba dinheiro, que se passa por um reverendo e canta músicas bíblicas, conquistando assim a confiança das pessoas. É um misto de anjo e demônio, sendo essa dualidade explícita em suas mãos onde tem tatuado "Love"/ "Hate" (amor/ ódio). Casa-se com uma viuva, mãe de dois filhos que serão perseguidos pelo psicopata até o fim. Soa como um conto de fadas macabro e é contado praticamente por inteiro pelo ponto de vista das crianças.

O filme se mistura entre o cômico e o suspense, com uma história à la Hithcock e é dono de um vilão inédito na época e inesquecível do cinema. Tem cenas maravilhosas no contraste de preto e branco, suspense na medida exata criando todo o clímax necessário, um bom roteiro, além da excelente atuação dos atores.

Enfim, este merece ser visto.

Deixe-me sair!

2010-01-01T03:53:00.005-02:00

Deixe Ela Entrar (Låt den rätte komma in, 2008) é mais um (pretenso) filme de terror da saga vampiresca e, como tal, bebe da fórmula já batida, ineficaz e rizível como a imagem que escolhi para ilustrar a película.

Ambientada em Estocolmo, a história apresenta Oskar (Kåre Hedebrant), uma criança de 12 anos, eventualmente perturbardo e constantemente agredido (chavão total), descobre em Eli (Lina Leandersson) sua força propulsora para o revide.

Cadenciado em demasia, o filme sueco de Tomas Alfredson é mais do mesmo, mesmo! A única coisa que me aterrorizou durante a exibição deste, francamente, foi a demora em terminar.

Menina Má.com

2010-01-01T03:08:00.006-02:00

Com ar de Jogos Mortais (curiosamente também distribuído pela Lions Gate), roteiro interessantíssimo, bem amarrado e interpretações seguras - de Ellen Page (Juno) e Patrick Wilson -, Menina Má.com (Hard Candy, 2005) agrada do início ao fim.

Em sintonia fina, a dupla de atores consegue, com performances convincentes, transparecer a tensão que o enredo sugere. A temática, vale dizer, é atemporal e pouco explorada. A obra de David Slade traz sutilezas, as quais por mais que não sejam entendidas, no mínimo inquietam o espectador - dada a insistente repetição.

Menina Má.com causa desconforto e suscita alguma reflexão. Vale o seu tempo.

Avatar

2009-12-21T20:11:00.006-02:00

Por eu ter uma simpatia por personagens azuis e por ser o novo filme de James Cameron (Titanic, 1997), Avatar não poderia deixar de ser visto por mim. Com tecnologia de ponta, nos deparamos com belos efeitos de encher os olhos d'água e uma história simples.

Jake Sully (Sam Worthington) é um soldado paraplégico selecionado para fazer parte de um programa de colonização de Pandora – um planeta onde moram os nativos Na’vi. Como a atmosfera do lugar é hostil aos seres humanos, são criados avatares para se infiltrar entre os nativos e, assim, dar início à retirada de um minério que os terráqueos querem usar como fonte de energia.

O filme mescla realidade com ficção tão bem que você por um momento (ou vários) realmente acredita que é possível existir seres azuis de 3 metros. Quando vemos os atores em seu formato de Avatar (azul e gigante), conseguimos distinguir perfeitamente de quem se trata pelos traços similares, além da atuação e expressões corporais serem fiéis. Isto tudo é possível graças ao sistema de motion capture. Este sistema captura os movimentos do ator que usa uma roupa com sensores. Com isto, os personagens digitais conseguem reproduzir o movimento exato referente a realidade. (esta tecnologia foi usada em filmes como O Expresso Polar e O Senhor dos Anéis).

Outra coisa fantástica de Avatar é a criação de Pandora. Os Na'vi tem um mundo próprio com plantas, animais, comportamentos, rituais e idioma. Com este mundo fictício o diretor consegue deixar os espectadores extasiados com a fotografia maravilhosa. As cores são vivas e fluorescentes, contrastando perfeitamente com os seres azuis.

Quanto à história vale ressaltar que além do romance há outras coisas para se observar. James Cameron nos alerta sobre como somos gananciosos e não nos importamos em destruir seja quem e o que for para nosso interesse. Uma frase que gostei muito do filme é quando um dos Na'vi se refere aos humanos: “Eles destruíram sua própria mãe..." (referindo-se a mãe natureza)

Espero que as pessoas tenham um pouco de consciência e não permitam que a natureza seja completamente destruída como aconteceu no filme. Espero que a ficção continue sendo ficção daqui a alguns anos.

Desembarque obrigatório

2009-12-16T23:48:00.011-02:00

Concordo plenamente com Ricardo Calil quando diz: "Overdose de filmes nacionais é problema, não solução". No entanto, nem o mais sóbrio dos cenários resistiria a Embarque Imediato, de Allan Fiterman. A (dita) comédia lembra o pior (tem melhor?) da comédia americana, repleto de piadas pueris e batidas além de situações ridículas - como é possível imaginar ao reparar a imagem responsável pela ilustração deste post.

Muito embora toque em questões pertinentes, como o "destino" de nossas vidas e o fascínio de boa parte dos brasileiros em ir - muitas vezes sem saber o por quê - aos Estados Unidos da América, o que se vê não agrada. É claro que este encantamento se explica à luz da "dominação" - aculturação - cultural americana (através de filmes, livros - menos -, músicas e até mesmo os heróis) a que somos submetidos, desde sempre. Querem, sabe-se lá por que, ir à Disney, Nova York. A Europa, por exemplo, não tem tanto prestígio por aqui - se comparado aos EUA, claro.

O ponto alto do filme, como não podia de ser, é a interpretação sempre natural, fácil e à vontade da formidável Marília Pêra, aliada ao talentoso Jonathan Haagensen -oriundo da companhia teatral Nós no Morro. José Wilker, embora ótimo, parece se repetir a cada filme.

Ao embarcar neste vôo de 90 minutos, a impressão que se tem é a de não haver, em momento nenhum, a decolagem. Infelizmente, este aeroporto não admite reembolso.

Atividade Paranormal

2009-12-15T14:30:00.008-02:00

A primeira afirmação que tenho a fazer sobre Atividade Paranormal é que ele é dono de um dos trailers mais enganosos de todos os tempos. Eu, medrosa que só vendo, me obriguei assistir o filme de terror mais falado do momento. Depois de toda a divulgação na tv e principalmente na internet e com um orçamento de apenas US$ 15 mil, me empolguei e fui assistir o longa do estreante Oren Perli. O filme é muito simples, isso é uma vantagem quando se sabe usá-la.

A história se passa toda dentro de uma casa (enorme por sinal), onde mora um casal. Micah, é um cara com um senso de humor exagerado e super desprendido de qualquer crença religiosa. Katie é uma mulher doce e muito paciente, que aguenta seu marido irritante com suas piadas impróprias, além de ser perseguida por uma força macabra, esta que deveria ser o terror do filme. Incomodados com esta energia estranha que os perseguem, o brilhante Micah resolve filmar a vida deles dentro da casa, inclusive enquanto estão dormindo. O que prende a atenção do espectador no longa é justamente essa tensão de que alguma coisa aconteça, porque fora as cenas finais, fica parado e chato.

Tecnicamente é feito à lá Bruxa de Blair, com cameras oscilantes e móveis. É mais uma prova de que uma ideia na cabeça e uma camera na mão é o suficiente para se fazer um filme. Enganar todo mundo dizendo que é baseado em uma história real também funciona.

Não sou fã de terror e queria dormir em paz após assistí-lo, mas no quesito "assustar as pessoas" Atividade Paranormal falhou. É puro marketing. Acabei de vê-lo com a sensação de que fui profundamente enganada.

O Céu de Suely

2009-12-14T00:56:00.022-02:00

Reprodução

Repleto de sutilezas, o filme dirigido por Karim Aïnouz e produzido por Walter Salles, relevou-se grata surpresa a mim. A película aborda a trajetória de Hermila, uma jovem cuja vida oscila constamente em tons figurados tão logo regressa, com seu filho recém-nascido, à casa de sua família, em Iguatu, interior do Ceará.

O Céu de Suely (2006) é pura arte e assim deve ser observado, sob pena de redução de tal produção à sua mera história ou, pior seriam, rótulos - com os mais vazios adjetivos possíveis. Não cabe aqui, tampouco a mim, delatar tais sutilezas. Este não é meu papel.

A lamentar, no entanto, cenas desnecessárias de sexo, mostradas sem o menor pudor. É bem verdade que a protagonista acaba por se prostituir, mas já vimos aqui como é possível abordar a profissão sem fazer apelo desta natureza. Este me parece o único problema do filme.

Não à toa, Céu de Suely venceu os prêmios de melhor filme, melhor diretor e melhor atriz (Hermila Guedes) e deve ser visto - sob as condições supramencionadas.

Bosta antiga

2009-12-08T12:27:00.026-02:00

Reprodução

Bossa Nova (2000), se quisesse, seria a crítica mais concisa entre todas escritas aqui até então. Bastariam alguns caracteres para defini-lo por completo. Em outras palavras, e a fim de que esta geração possa mensurar, um "post" (?) de 140 grunhidos possíveis no Twitter seria suficiente.

O filme dirigido por Bruno Barreto (mesmo diretor do ótimo O que é isso, companheiro?, 1997) não passa, em nenhum momento, de uma exaltação surrealista da cidade do Rio. É bem verdade que o movimento, nascido no fim da década de 50, também se propunha a isso. Não há uma ambiência sem um ponto turístico carioca destacado ao fundo. O luxo dá o tom à exaustão.

A redução deste país, caracterizado justamente por sua louvável miscelânea, a exaltações insustentáveis e irreais, tais quais cenários de guerra ininterrupta, me parece abominável. Há de se ter, como em tudo na vida, equilíbrio. Nem tanto ao mar, nem tanto à terra.

As atuações são tão frágeis quanto o enredo - muito embora disponha de atores como Antônio Fagundes, Alexandre Borges, Rogério e Pedro Cardoso, os quais têm seus lampejos ao longo da peça cinematográfica. É uma comédia com parcos momentos de riso. Por fim, e para piorar, muito dos 95 minutos de duração, somos submetidos à lingua inglesa - em geral, da pior qualidade possível.

Do Começo ao Fim

2009-12-06T20:18:00.002-02:00

Homossexualismo e incesto. Tudo que o diretor Aluizio Abranches, precisava para criar polêmica no seu terceiro longa metragem. Do Começo ao Fim, não é só isso. É sobre amor, “que para ser entendido é preciso que o mundo vire do avesso”. O filme é muito sensível e conta a história de dois irmãos que criam um laço muito peculiar entre eles. Filhos de pais diferentes, Thomas e Francisco crescem e se tornam um casal. Depois de adultos e órfãos de mãe, Thomas recebe um convite para nadar na Rússia, mas com isso ele terá que deixar seu irmão-namorado no Brasil.

Um tema incomum no cinema brasileiro que merecia ser um grande sucesso. Eu particularmente estava ansiosa pela estreia e fui correndo assistir. O longa tinha tudo pra dar certo: uma história maravilhosa, bons atores, duas cidades de pano de fundo fantásticas (Rio de Janeiro e Buenos Aires), mas não deu.

Pra começar a montagem é composta de fades, um atrás do outro. Com isso, o filme ficou dividido em blocos, como se fossem capítulos perdendo assim sua continuidade, detestei. Algumas cenas ficaram perdidas e fora de contexto, mesmo sendo necessárias para dizer algo. Como por exemplo, quando ainda crianças, o pai de Thomas briga com ele e Francisco o defende, dizendo que cuidará dele para sempre. Esta cena marca uma nova fase, como se estivesse assumido ali o relacionamento dos dois. Mas ela é colocada de uma forma que parece não significar quase nada dentro do filme, fica perdida entre outros cortes aleatórios. Outro aspecto que me incomodou, foi o de não ter sido explicitado nenhum tipo de discussão sobre a sexualidade ou sobre o rumo do relacionamento dos dois. Temos uns questionamentos da mãe, umas três vezes e depois existe a omissão dos pais em relação aos dois. Acredito que o diretor exagerou na história de amor sem mostrar como foi que ela se deu. Achei os diálogos fracos. A música que embala o filme é irritante e parecia estar ali para apelar por uma emoção que não existia. Não colou. E mesmo com todo o meu apoio ao tema, aos atores, aos personagens e a história, fiquei decepcionada com o resultado final da produção. Uma pena.

Lua Nova

2009-11-29T10:52:00.007-02:00

Pois é! Eu paguei pra ver esse filme. Sou daquele tipo de cinéfila quase sem preconceito e para falar sobre alguma coisa temos que conhecê-la (mesmo tendo aquele sentimento profundo de que pode ser uma merda), então aqui estou. Pra quem não sabe, Lua nova é a continuação da saga vampiresca iniciada em Crepúsculo (2008), se tornando a mais nova febre entre o público (juro que não sei a faixa de idade que colocarei aqui, pois já vi criança, adolescente, adultos e idosos fãs), desde Harry Potter. A série tem 4 livros, sendo que dois deles já viraram filme.

Em Lua Nova encontramos a protagonista Bella (Kristen Stewart) ansiosa para completar seus 18 anos e ser dona do seu próprio nariz. Edward (Robert Pattinson) o vampiro-namorado que até então está absolutamente apaixonado, resolve se afastar e sumir da vida da moça, que consequentemente entra numa depressão tenebrosa. A menina passa o filme inteiro sofrendo e tentando se destruir, pois não aguenta a dor de estar longe do amado. Paralelamente, temos os "inimigos" dos vampiros, os lobos, se aproximando de Bella e sendo seu único consolo para tanta solidão. Eu poderia dizer que este é o único acontecimento do filme, porque ele não tem absolutamente mais nada pra mostrar. Para agravar minha irritação, Bella é retardada e demora muito tempo pra descobrir que seu amigo Jacob (moreno, alto, bonito e sensual) é um lobo. No fim (tão esperado) do longa, a protagonista perturba seu namorado até não poder mais, tentando convencê-lo de transformá-la em vampira também. Mas isso fica para um próximo filme.

Depois de assistí-lo, compreendi melhor o motivo das pessoas serem tão apaixonadas pela saga. Ela trás à tona toda aquela fase depressiva da vida dos adolescentes que sofrem por amor e acham que o fim do mundo está próximo por causa disso. Uma pena é o exemplo de que se destruir ou se matar irá resolver todos os problemas. Me preocupa saber que muitos jovens (ou nem tão jovens assim), podem seguí-lo na vida real.

A trilha sonora, por incrível que pareça é boa e conta com o brilhantismo de Thom Yorke, Muse e The Killers. Outra coisa aproveitável, é uma cena com um efeito à lá "bullet time", popularizado em Matrix, que dá um glamour na estética do filme. Fora isso, não há mais nada para ser dito. Se ainda persistir a curiosidade de assistí-lo, só digo uma coisa: Boa sorte.

500 dias com ela

2009-11-28T12:47:00.010-02:00

00000000000000000000000000000000000000000000000000000000Divulgação

Finalmente assisti, em meio à balbúrdia juvenil – ainda que a sala estivesse vazia –, a 500 dias com ela ((500) Days of Summer, 2009), o longa de estréia do diretor Marc Webb. Este é, sem dúvida, o relato mais fiel do ciclo amoroso já presenciado por mim. O diretor toca em questões importantes dentro de uma relação.

Webb opta por um humor refinado, à medida que prioriza o textual (em claro detrimento do gestual, comumente explorado nos besteiróis americanos do gênero) para fazer graça – embora esta seja uma fórmula arriscada e, talvez, menos eficaz, dada a mínima exigência de recepção do público. É uma louvável fuga ao lugar-comum. Aqui está, portanto, um filme de comédia com conteúdo. Acreditem.

Tom Hansen (Joseph Gordon-Levitt) é um jovem à procura de seu verdadeiro amor. A assistente de seu chefe, a exuberantemente linda Summer Fin (Zooey Deschanel) parece sê-lo. No entanto, Tom vive agruras para chegar à quista estabilidade.

Devo destacar uma passagem genial da trama, quando a tela é dividida em: expectativas x realidade – do protagonista, Tom, em relação a um momento pelo qual passará com Summer. Bela (e real) sacada do diretor, que me remete a uma citação igualmente formidável: “A idealização está sempre condenada a produzir frustração e desencanto”.

Caramelo

2009-11-27T23:50:00.009-02:00

Caramelo (2007) é um longa libanês/francês, dirigido por Nadine Labaki, que também atua como protagonista.

Além de ser título do filme, o doce feito de limão, açúcar e água é usado para depilação no salão onde as cinco mulheres abordadas na história se encontram. Cada uma delas tem sua particularidade. Layale é amante de um homem casado e espera que ele deixe sua esposa para ficar com ela, Nirsine é mulçulmana e irá se casar, porém não é mais virgem, Jamale não sabe como enfrentar a velhice, Rose abdica a sua vida para cuidar de sua irmã mais velha e Rima sente atração por mulheres.

Todo esse mundo feminino é tratado com sutileza e com lindos tons em sépia na fotografia. A beleza está nos mínimos detalhes, onde as palavras não precisam ser ditas para que a situação toda seja entendida. Isso acontece algumas vezes no longa, deixando-o muito mais interessante. São metáforas usadas que trazem um brilhantismo na direção de Labaki. Os atores não são profissionais, mas isso não diminui em absolutamente nada a sua qualidade.

Um filme sensível, com histórias simples e que diz tudo através das suas imagens delicadas e seus cortes feitos sob medida. Explora tudo que há de belo na vida comum das mulheres e mostra seus problemas sem julgá-las. Pura beleza.

E a estrada levou... - "Revolutionary Road"

2009-11-25T22:58:00.009-02:00

Atuações superestimadas – Kate Winslet venceu Oscar® e Di Caprio foi indicado –, pouco convincentes, irregulares. Roteiro confuso. Filme arrastado. Eis Foi Apenas um Sonho (Revolutionary Road, 2008), baseado em best-seller de Richard Yattes, dirigido por Sam Mendes (Beleza Americana), indicado para três Oscar® e aclamado pela crítica.

Desta vez, o entrosado casal do ótimo Titanic não casou. A menos que observemos sob a ótica da oscilante e intermitente interpretação de ambos. Mesclam (raras) cenas dignas de grandes atuações no cinema com outras pífias – mais comuns.

E, por fim, a Revolutionary Road liga nada a lugar nenhum. Com escorchante pedágio, diga-se.

diHITT - Notícias

Closer - Perto Demais

2009-11-21T15:41:00.007-02:00

Por sorte, ultimamente tenho sido surpreendido com uma constância inesperada. A obra a ser tratada, por certo, figura entre as surpresas supramencionadas.

Closer foge completamente ao gênero a que se intitula pertencer. Está distante das comédias românticas rasas expelidas – com deplorável freqüência – por diretores e roteiristas tão medíocres quanto seus registros cinematográficos.

A obra, dirigida por Mike Nichols – detentor, não por acaso, de quatro das maiores premiações possíveis: Grammy, Oscar, Tony e Emmy –, exige muito além da descontração contumaz em trabalhos do gênero. Diálogos inteligentes, inquietantes e sarcásticos norteiam Closer – Perto Demais. O diretor alemão ainda ensina como se faz uma obra que aborda (e muito) o sexo – tendo, inclusive, uma personagem stripper – sem que se recorra a apelações. Para que possam mensurar aqueles que ainda não apreciaram a obra em questão: durante os 58 min. de exibição, não vemos nada além do que geralmente vemos em praias da cidade – excluem-se, aqui, de modo óbvio, praias de nudismo ou mesmo aquelas onde é liberada a prática do topless. Nichols prima pela sensualidade e acerta – hão de convir que melhor do que mostrar deliberadamente é o charme de, sensualmente, omitir.

Mike Nichols acerta, ainda, na escolha dos quatro protagonistas. Atuações impecáveis de Jude Law, Júlia Roberts, Clive Owen e Natalie Portman.

Por fim, há de se notar, obrigatoriamente, o que sugere, não à toa, a capa do filme. Todos os personagens com metade da face revelada apenas. Mais uma vez recorrendo às profundezas do auge da minha ignorância, entendo que estes lados não relevados, portanto obscuros, são pedaços incognoscíveis, sobretudo dos próprios detentores destes que vão, pois, à procura da metade de SUA (licença para o grifo, mas se não atentarem para o pronome minha opinião aparentará óbvia, quiçá juvenil, demais) própria face, antes de tudo, em um longo e ininterrupto exercício de autoconhecimento. A instabilidade (inerente à raça humana, creio eu) dos personagens sustenta o meu delírio.

2012

2009-11-19T17:40:00.021-02:00

Divulgação

Muito embora a rua Santa Clara tenha afundado, a Rio-Teresópolis deslizado terra e três vigas despencado no Trecho Sul do Rodoanel em SP, o filme do apocalíptico Roland Emmerich (O Dia Depois de Amanhã, 2004) não consegue ser minimamente crível - se é que havia tal pretensão. Ainda assim, o que se vê ao longo dos 158 min., agrada.

Dentro do que se propõe, 2012 é fantástico. Do ponto de vista técnico, a obra de Emmerich é perfeita - afora algumas mudanças de qualidade de câmera substanciais, já ao final da obra. Efeitos especiais cada vez mais sofisticados. Impressionantes. Surreais.

Para engrandecer a obra, o elenco ainda conta com a bela Amanda Peet. O sósia de Paul McCartney, John Cusack, é o protagonista do longa.

Há de se ter a noção de que 2012 não foi feito para ser levado a sério. Como registro histórico não tem o menor valor. Se baseia no calendário maia para criar mais um longa catastrófico que vende - e muito! É uma superprodução e, como tal, tenciona o lucro e nada mais. No entanto, com certeza há a corrente dos que acham plausíveis a idéia do filme.

A apocalípticos e integrados (Umberto Eco, 2006), porém, só resta a angústia da espera. Até lá, por via das dúvidas, aproveitem a vida.

A novidade da estação - "Besouro"

2009-11-11T11:35:00.010-02:00

A temática enfim e, por incrível que pareça, mudou. Só por isso já mereceria todo júbilo. Besouro é decerto diferente de tudo já visto por aqui - atentem: digo isso no ápice da minha ignorância cinematográfica (leia-se ínfimo repertório), admito. Portanto, se porventura eu estiver falando alguma sandice, me corrijam.

Nosso país tem uma história abundante. É entristecedor constatar, portanto, que nos limitemos a explorá-lo sob a ótica do maniqueísmo, da apelação sexual e, vez ou outra, de um longa cabeça.

Conquanto explorada a esmo em telenovelas, a escravidão na grande tela creio não ter sido tratada. Bem como o candomblé e menos ainda a belíssima história da capoeira - a genuína arte afro-brasileira. E é notável que esta o diretor estreante João Daniel Tikhomiroff tratou com propriedade.

Besouro é ousado - arrisca-se através de efeitos especiais nunca vistos em terras tupiniquins. Ainda que alguns deles primários, é verdade. Como os vôos do protagonista. Dada a esta condição de primariedade, teria sido mais interessante 'cortar as asas' do personagem. As lutas, por exemplo, são mais eficazes, verossímeis e bem-feitas. Tudo dirigido por Huen Chiu Ku, o mesmo coreógrafo de Kill Bill e O Tigre e o Dragão.

Atuação destacada tem Irandhir Santos (Viajo porque preciso, volto porque te amo), ator pernambucano, na pele do vilão Noca. Soberbo. Fascinante. Fantástico. A canção-tema é assinada pelo não menos incrível Gilberto Gil. A fotografia também merece menção. Preserva todas as belezas atordoantes das regiões baianas. Pano de fundo imprescindível.

Dado o primeiro audacioso passo para o 'novo', a indústria cinematográfica nacional parece querer despontar. Para tanto, basta que o povo - razão maior para a produção - compre esta briga. Desola notar a irrisória presença de público em filmes nacionais - é bem verdade que sempre opto por horários alternativos para a apreciação, mas, ainda assim, até então não li nada significativo no que diz respeito à arrecadação da obra do publicitário Tikhomiroff. A grande produção Lula, O Filho do Brasil vem aí e espera-se contar com a força deste povo que concede a este presidente a maior popularidade entre os presidentes, desde a redemocratização, segundo apontou outrora uma pesquisa da Folha de S. Paulo.

Paro por aqui, afinal este blog pretende-se algum laconismo. O que não foi alcançado. Não desta vez.

Tristeza chega ao fim

2009-10-28T19:00:00.009-02:00

SEGUNDO CADERNO (28): Para ler a coluna, basta clicar na imagem

Tiro, com prazer, mais alguns minutinhos para postar a conclusão da lista de filmes do Arthur Xexéo: 10+, gênero drama. Para minha surpresa, a obra cinematográfica que findou a relação (não vou contar pra não estragar a leitura) tenho em casa há algum tempo, mas ainda não tive oportunidade de ver.

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No último final de semana assisti Se Beber, Não Case e Distrito 9. Não gostei de nenhum. O primeiro já foi muito bem abordado pela Vanessa, com a qual coaduno quase completamente (nesta análise especificamente), portanto não há necessidade de reescrever. Sobre o segundo, talvez escreva. Dependo da minha (exígua) memória. Por ora, fiquem com a deliciosa leitura da coluna do Xexéo.

Tristeza não tem fim - por Arthur Xexéo

2009-10-21T17:23:00.010-02:00

SEGUNDO CADERNO: Para ler a coluna, basta clicar na imagem

Peço licença a incrível Vanessa para destoar - talvez - o propósito deste espaço onde ela tem reinado absoluta e com destreza - percebam: não faço aqui uma crítica, muito pelo contrário. Tenho o maior prazer em ler e aprender mais sobre os meandros do cinema. E, vez ou outra, dar meus palpites.

Reproduzo, pois, a coluna de Arthur Xexéo de hoje (21/10). Nesta, o sempre bem-humorado colunista trata de cinema. E, por isso, acho válida a menção - sem contar as indiretas sugestões de filme.

Me desculpem eventuais distorções na imagem, mas na correria em que me encontro, foi o que de melhor consegui fazer.

Os Sonhadores

2009-10-17T21:27:00.005-03:00

Os Sonhadores de Bernardo Bertolucci é antes de qualquer coisa uma homenagem aos amantes do cinema. A história é situada em 1968, um ano conturbado politicamente em todo o mundo, onde nos vemos diante de três personagens apaixonantes: Matthew (Michael Pitt), Isabelle (Eva Green) e Theo (Louis Garrel). Estes são três jovens cinéfilos que se conhecem durante as manifestações de Maio de 68 em Paris, contra a expulsão de Henri Langlois da Cinemateca Francesa. Matthew é americano; Isabelle e Theo são dois irmãos franceses, filhos de um casal que prefere não se envolver na atitude “revolucionária” dos filhos. O trio acaba desenvolvendo um tipo de relacionamento que mescla a descoberta da sexualidade e a paixão pelo cinema.

Com um ar libertino, Bertolucci dá vida aos seus personagens e explora suas personalidades através de jogos eróticos de cinefilia, onde simultaneamente mostra sua paixão por inúmeros ídolos do cinema. Jean-Luc Godard é o cineasta mais homenageado do filme. Temos cenas de O Acossado (1959) que aparecem no primeiros minutos do longa e os protagonistas homenageiam o diretor também, ao tentar quebrar o recorde estabelecido pelos personagens de seu Bande à Part (1964), atravessando o Louvre o mais rápido possível, correndo. Godard é referência para Bertolucci, que considera a língua francesa o idioma oficial do cinema. Jean-Pierre Léaud, o ator que encarnou o mítico personagem do cinema francês Antoine Doinel em Os Incompreendidos (1959) (e em outros 4 títulos), filme de Truffaut e marco zero da Nouvelle Vague, aparece em cena original de 1968 lendo um panfleto contra o afastamento de Langlois assinado por Godard e refaz a cena como ficção, mais de 30 anos depois em Os Sonhadores. Além de reproduções de cenas de filmes durante o longa, temos também detalhes como fotos, falas e posters espalhados pelos cenários.

A trilha sonora é excelente, cheia de Rock’n Roll: Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison e Bob Dylan. Bertolucci move a câmera e usa a música magistralmente. Os personagens às vezes vão para um lado, a câmera para outro. A música sobe em momentos que não deveria ser tão alta e desaparece quando menos se espera, me lembrando outra película do diretor: O Último Tango em Paris, um dos filmes mais intensos de sua carreira. Inclusive, tenho a sensação que estes dois trabalhos se completam de alguma forma.

Como disse Louis Garrel (Theo) em uma entrevista sobre Os Sonhadores: “Antes era sexo, drogas e rock’n roll. Agora é política, cinema e sexo.”

Bastardos Inglórios

2009-10-14T19:49:00.004-03:00

Mais uma vez venho por meio deste deixar meu comentário sobre o trabalho do grandioso Quentin Tarantino. De volta às telas do cinema com Bastardos Inglórios (Inglourious Basterds*) , este diretor brilhante prova todo seu domínio sobre a sétima arte, deixando para nós vestígios que remetem a grandes obras clássicas e movimentos estéticos cinematográficos.

Ambientada na França ocupada pelos nazistas, a história é composta por duas tramas paralelas, que se cruzam. Shosanna (Mélanie Laurent) que testemunha a execução de sua família na mão do coronel Hans Landa e foge para Paris, passa a viver com outra identidade sendo proprietária de um cinema. Em outro lugar da Europa, o tenente Aldo Raine (Brad Pitt) orgazina um grupo de soldados judeus americanos para colocar em prática uma vingança contra os nazistas.

Tarantino é a mistura de tudo que há de melhor na história do cinema - de Western à Filmes B - fazendo seu trabalho ser primoroso. Assisti Bastardos com a impressão de que me lembrava alguma coisa. E realmente lembrava. A trilha sonora à la Kill Bill, com um toque de faroeste e assovios, diálogos extensos que neste caso especialmente não tem cultura pop como assunto - por ser de época, deixa mais uma lembrança de seu estilo. Não contente, em um momento da película nos deparamos com David Bowie estourando nos nossos ouvidos. Isto ninguém imaginaria em um filme de guerra. Temos ainda a tensão dos personagens, marcadas por closes nos olhos, típico de outros filmes do cineasta.

Brad Pitt, mesmo sendo astro super estimado de hollywood, está fabuloso no papel, arrancando gargalhadas de quem o assiste e causando uma leve nostalgia de seu personagem em Snatch – Porcos e Diamantes. O vilão Hans Landa (Christoph Waltz) é o grande destaque, roubando a atenção quando está em cena. Momento de êxtase é o encontro dos dois supracitados. É simplesmente incrível. Também vale lembrar da atriz Mélanie Laurent (que interpreta Shosanna), que além de ser incrivelmente bonita, nos traz sua presença blasé da nouvelle vague. Arrebentando nos efeitos especiais banhados de sangue – pra variar , figurinos impecáveis e um desfecho inesperado para o conflito da segunda guerra, não temos dúvidas do porque este filme está arrecadando milhões pelo mundo todo, se tornando a melhor estreia do cineasta até o momento.

Obs.: Os posters dessa obra são lindíssimos, fiquei horas para escolher qual seria a ilustração da postagem. Escolhi este e não foi por acaso, mas porque me recorda os posters de "filmes B" que Tarantino é fã. Bastardos Inglórios me remeteu a este aqui.

*Basterds foi escrito com "e" propositalmente. A palavra correta seria com "a".

UP - Altas Aventuras

2009-10-11T22:21:00.011-03:00

Depois de ter visto Toy Story, Monstros S.A., Procurando Nemo, Os Incríveis e o insuperável Wall-e, pensei nunca mais conseguir ver - pelos menos não tão cedo - nenhuma animação que me deixasse com os olhos marejados de felicidade. Me enganei. Fui ao cinema e me arrisquei na sessão de UP - Altas Aventuras, com o mínimo de esperança de assistir algo arrebatador, mas para minha surpresa esta nova animação da Pixar é surpreendente, engraçada e inteligente.

Com um protagonista nada atraente aos olhos infantis, UP conta a história de um velhinho viúvo, chamado Carl Fredricksen, que passou sua vida em busca de aventura e com o sonho de ir para a América do Sul morar entre as cachoeiras da Venezuela. Já começamos com um diferencial, pois raramente temos personagens idosos em animações e se eles existem são apenas para fazer uma ponta ou para serem vilões. Fredricksen pode ser comparado com Clint Eastwood em Gran Torino, ranzinza que só ele. No entanto, o adorável idoso não poderia levar o filme sozinho e no desenrolar da história ele se depara com um menino chamado Russel, um escoteiro muito dedicado. Não quero contar mais nada além disso, pois os outros que completam o elenco merecem ser descobertos ao decorrer da história. O que posso afirmar é que o filme é extremamente bem executado. Pixar como sempre cria uma obra prima envolvente, dona de uma fotografia maravilhosa com cores bem escolhidas, contrastes perfeitos e bom humor. Up é inteligente, cheio de detalhes da sétima arte, como planos incomuns e cativantes, além de ser poético e delicado. O vilão da história não é dos melhores, porém no saldo final vemos um belo trabalho realizado.

Como brinde temos antes do longa, um curta maravilhoso também da Pixar. Para quem for ao cinema, chegue na hora e não deixe de vê-lo. Imperdível. E leve um lenço para caso o sistema lacrimal entre em ação.

Trainspotting

2009-10-09T16:45:00.009-03:00

Filmes 'junkies' sobre jovens têm a tendência de cair na mesmice. São sempre atos inconsequentes que acabam em grandes tragédias, envolvendo drogas e sexo. Porém, Danny Boyle (Quem Quer Ser um Milionário?) consegue trazer todo esse tema à tona de uma forma impressionante em Trainspotting (1996).

O filme fala sobre o mundo das drogas, onde temos Mark "Rent Boy" Renton, um viciado que tem um grupo de amigos desajustados: o traficante casual Sick Boy, o fracassado Spud, e Begbie um psicopata violento interpretado por Robert Carlyle, que arrepia no papel.

Trainspotting é dono das cenas mais bizarras e inesquecíveis do cinema: um bebê morto que anda pelo teto, proveniente de uma alucinação do nosso protagonista, ao tentar largar as drogas. A seqüencia de abertura é fabulosa, onde temos Rent Boy correndo pelas ruas narrando em off um discurso maravilhoso "Choose Life" . E pra finalizar a lista, vemos também um mergulho no vaso sanitário na tentativa de recuperar as drogas perdidas. Além dessas "marcas visuais", nos deparamos com as atuações impecáveis de todos os atores.

São ínumeras qualidades que classificam esse filme como um dos melhores dos anos 90, e é essencial o fato de Boyle não tomar partido moral no longa. Trainspotting, é simplesmente o retrato da vida de muitos jovens que caem no mundo das drogas e sofrem pra sair, ou às vezes não pretendem sair. Mostra os limites que o ser humano pode chegar sem apontar o que é certo ou errado. Merece ser visto.

Perícia técnica - "Uma prova de amor"

2009-10-01T20:45:00.009-03:00

Cada vez mais cônscio da distância entre o que me propus a fazer e o que efetivamente faço aqui, sigo escrevendo sei lá eu por que. Talvez só mesmo para treinar. Definitivamente não me passa pela cabeça um dia ser crítico de Cinema. Ser crítico, por si só, já é uma missão e tanta. Crítico de Cinema seria muita pretensão minha. Exige bagagem, base, olho clínico, olhar crítico etc. E isso, terminantemente, não tenho. Tudo – ou quase tudo – de certa forma me é agradável aos olhos, ao ouvido e, finalmente, ao interior – para comprovar, basta que percorram por meus textos. Ser crítico, por essência, é algo muito cômodo. Você não fez nada – e talvez nem mesmo saiba – e simplesmente senta, de forma fria e calculista (num primeiro momento, ao menos), para atribuir valor (pior: na maioria das vezes para subtrair valor) àquela obra que certamente, por pior que lhe pareça, tem seu valor. Parece-me pusilanimidade pura. Não é a minha, confesso. É importante aqui salientar que com este sincero relato não espero, sinceramente, comiseração destes que costumam ler aqui. Por favor! Fiz apenas para legitimar meu texto.

Posto isso e antes de escrever nada além de uma opinião minha acerca de outro filme, peço desculpa aos que eventualmente lêem (perdão novamente: não consigo me adequar a certas regras do novo acordo) este espaço. De verdade.

Esta tarde me comprometi a ir assistir ao belo Uma prova de amor (My Sister’s Keeper*), de Nick Cassavetes, baseado no romance homônimo de Picoult. O longa conta com figuras mais que carimbadas da grande tela, como Cameron Diaz (em sua melhor atuação - que vi até aqui -, fugindo completamente de suas repetitivas e insossas comédias românticas), Jason Patric e Alec Baldwin. É impossível deixar de mencionar as belíssimas atuações dos atores “mirins”. Desenvoltos. Seguros como veteranos. Sofia Vassilieva (foto), sobretudo. Incumbida de retratar a personagem terminal, consegue, sem forçar em momento nenhum, nos transmitir toda a angústia de uma paciente que agoniza e tem de aprender a lidar, ainda jovem, com a morte. Mais do que isso. Lidar com a morte com dia e hora marcados. Sua mãe, Sara (Diaz), super protetora, é capaz de conceber uma filha, fruto de uma fertilização in vitro, para que seja uma doadora compatível de sua irmã.

Afora os inúmeros flashbacks durante quase toda a trama, o diretor conseguiu lidar com uma questão delicadíssima sem que fosse preciso fazer maiores apelos. A história, por si, já tende a pender para este lado dramático. Não há, portanto, necessidade de retoques. Imagino que My Sister's Keeper emocione até o mais gélido dos seres deste planeta – em meio ao sabido aquecimento global, soa até ignorância abordar a temática por esse viés.

* Salvo alguns casos óbvios, confesso me perguntar o por quê de não se preservar o nome original, tal e qual fora concebido, do filme. Alguém poderá argumentar, histericamente, que é possível que não haja a mesma “força” com a tradução literal. Retruco: e lá?, por que tem? Por mais que se faça uma adaptação no literal, mas que o nome seja resguardado. Afinal, assim nomeou – e para tanto perdeu alguns minutos, horas, dias... - o diretor, produtor ou seja lá quem for.

Festival do Rio 2009: "Viajo porque preciso, Volto porque te amo"

2009-09-26T23:46:00.006-03:00

O novo filme de Marcelo Gomes, "Viajo porque preciso, Volto porque te amo", está na programação do festival do Rio 2009 e fala sobre amor(?) com uma perspectiva completamente inédita, além de abordar outros inúmeros assuntos.

José Renato (Irandhir Santos) atua no filme como narrador e personagem principal, sem aparecer em nenhuma cena, vivendo a história de um geólogo que viaja através do nordeste brasileiro, fazendo uma pesquisa de campo para a criação de um canal que será construído, a partir do desvio das águas do único rio da região. Apesar da viagem parecer somente a trabalho, percebemos que o protagonista traz consigo a agonia de um amor que não deu certo. Nessa trajetória, vamos acompanhando o diário de bordo, com cenas dos lugares por onde passa, mostrando toda a solidão e abandono que a região (e inclusive as pessoas) sofre. Soando por alguns momentos como um documentário, acredito que nunca vi nada parecido.

Como se fosse uma forma expressionista de mostrar um sentimento, cada imagem sofre junto com José Renato. O filme é completamente desfocado, com imagens barulhentas da estrada e aspecto bem descuidado - recurso que foi usado com muita propriedade e segurança. As sequências expressam a confusão do personagem e toda a sua angústia, sendo assim, nada melhor do que utilizar uma linguagem estética para tocar o espectador da forma certa. Com um "final sem fim", ficamos estatelados na cadeira com uma tristeza no peito. Acho que todos saem tocados do cinema exatamente como deveriam. Mesmo que o público fique irritado com o desfoque, barulhos estrondosos, tremor, escuridão, falta de enquadramento - como eu fiquei - e inúmeros outros recursos usados da lista: "o que não se deve fazer num filme", você tem a certeza de que nada ali está em vão. Aí você perdoa o diretor pela dor de cabeça do fim da sessão e percebe que o filme tem o seu valor, além do título ser no mínimo, intrigante.

Se Beber, Não Case!

2009-09-20T15:58:00.009-03:00

Depois de escutar muitos elogios, ler muitas críticas positivas, me rendi e assisti ao novo filme de Todd Phillips: Se beber, não case. Pode ser meio preconceituoso da minha parte, mas tenho que admitir que comédias com esses títulos já estão padronizadas e esteriotipadas na minha cabeça, o que faz eu não querer vê-las nem se for de graça. Mas fui e caí nas garras do humor americano. Estou até agora tentando entender o que há de tão engraçado nesse filme. Fui assisti-lo com a esperança de ver algo realmente novo, mas me decepcionei.

A trama mostra a viagem de um grupo de amigos que vão para Las Vegas para comemorar a despedida de solteiro de um deles. Ao chegar em seu destino, o grupo bebe um pouco além do que deveria e acordam no dia seguinte com o apartamento destruído, com amnésia e sem o noivo. Agora, o objetivo é tentar lembrar o que eles fizeram na noite passada o mais rápido possível e achar o amigo, para que ainda dê tempo de chegar ao casamento.

Situações catastróficas vão acontecendo, cada solução encontrada pelos rapazes parecem ir piorando a situação. Temos até Mike Tyson fazendo uma ponta na comédia. Porém, o humor usado não me atingiu. É desconfortante assistir algo onde todos riem sem parar e você não esboça um sorriso. Fiquei me sentindo culpada e tentando achar a graça naquilo tudo que estava acontecendo na minha frente, falhei.

Ponto alto são as músicas usadas na trilha, como "Candy Shop" (música picante do 50cent) que é cantada numa versão devagar e inocente, como se nada de pornográfico estivesse sendo dito. Mas ainda sim, o filme não me fez dar nenhuma gargalhada. Acabo concluindo que o longa foi produzido para um público alvo: homens. Parece um humor tipicamente masculino, pois acredito que os rapazes se identifiquem com toda a situação que se desenrola. Tudo bem que todos nós podemos ser vítimas de uma ressaca monstro, mas o que diferencia os sexos são as atitudes tomadas para resolver o problema. Não sei se isso foi uma conclusão coerente ou se eu simplesmente estou tentando achar uma desculpa para minha "falta de humor". Este filme foi mais uma prova - para mim - que não devemos acreditar na crítica.

Aqua Teen: Esquadrão Força Total

2009-09-18T18:19:00.009-03:00

Este post é voltado para os fãs de desenhos de humor negro, subversivo, cheio de palavrões e absurdos. Já conhecido pelo canal Cartoon Network, Aqua Teen Hunger Force ou em português, Aqua Teen: Esquadrão Força Total é um desenho que é exibido na programação adulta[adult swim] e virou filme.

Trata-se de um grupo de amigos que moram juntos (super-heróis?), que resolvem descobrir suas origens. Porém, durante essa busca eles deparam com uma máquina de exercícios intergalática (Insanoflex), que se for totalmente construída será uma ameaça à paz da galáxia. Nossos heróis serão obrigados a enfrentá-la, para impedir que o universo seja destruído.

Os personagens principais que formam o time são: uma batata frita gigante ( "Batatão") super inteligente, educado e que solta raio pelos olhos quando é preciso, um milk shake tamanho grande (líder da trupe - "Mestre Shake") , egocêntrico, sádico e pornográfico, uma almondega (macho), que pode se transfomar em qualquer coisa (mesmo não usando muito essa função), que é super doce e com um bom coração. Ainda temos um humano, chamado Carl (vizinho do Aqua Teen), um gordão viciado em pornografia. Dr. Esquisito um cientista maluco e seu assistente Steve. Pouca insanidade, não?

O filme (de 86 minutos) é tão nonsense quanto o desenho (de 11 minutos), vale assistir, mesmo não tendo nada de construtivo, pois serve para preencher as tardes inúteis com boas gargalhadas.

Anticristo

2009-09-15T03:16:00.008-03:00

Resolvi ir ao cinema assistir "Anticristo". Fiquei em dúvida se deveria postá-lo ou não, por dois motivos: está muito fresco na memória, poderia escrever spoilers sem perceber e porque ainda estava em choque com tudo que foi visto. Depois de dois dias ruminando o longa, engoli.

(não contém spoilers)

Anticristo, foi feito para massa detestar, para os cults discutirem eternamente, para dividir a crítica e fazer o diretor ser xingado em Cannes. Lars Von Trier (conhecido por longas-metragens como "Dançando no escuro", com Björk, e "Dogville", com Nicole Kidman, além do movimento cinematográfico Dogma 95, do qual é co-fundador) é um diretor excêntrico que, acreditem em mim, ficará marcado na história do cinema, seja para o bem ou para o mal.

O filme conta o drama de um casal que sofre a perda de seu único filho. A mãe da criança enlouquece e seu marido que é psicanalista, tenta ajudá-la a superar o luto levando-a para onde mais sente medo. Segundo ele, é a melhor forma de enfrentar a situação. Este lugar é uma floresta chamada Éden e é lá que a trama se desenrola. A mulher passa a viver entre realidade e devaneios, fazendo o sofrimento atravessar a tela.

Lars fez um trabalho maravilhoso. A primeira sequência (Prólogo), onde acontece o acidente com a criança enquanto o casal faz sexo, é brutalmente linda. Mostrada em slow motion – filmada com a câmera PHANTOM HD, que grava mais de mil quadros por segundo (alta velocidade) – em preto e branco , acompanhada de música clássica. Uma cena digna de choro, belíssima. Dividido em mais 4 capítulos e Epílogo, percebemos uma despreocupação com a continuidade e cortes brutos, o que foi maravilhoso e permitiu que o filme não ficasse arrastado. Usa-se muitos closes, planos incomuns, cenas fortes de embrulhar o estômago e áudio impecável. Willem Dafoe e Charlotte Gainsbourg – o casal, atuam sozinhos durante todo o longa, mostrando um trabalho magnífico de interpretação.

Ouvi muitas pessoas dizendo que as cenas de mutilação e sexo são gratuitas, mas discordo desta afirmação. Acredito que tudo foi colocado em seu lugar na densidade certa. Na verdade, quase tudo. Tem uma cena que pecou sim, mas esta não tem a ver com os temas citados e o motivo de detestá-la é extremamente pessoal. A obra soa como um grande quebra cabeça audiovisual. É recheado de dicas que se interligam e dão sentido ao que é mostrado. Há muito tempo não assistia algo tão desconfortável e maravilhoso. O filme é pesadíssimo, te toca profundamente e deixa agoniado. Traz tudo que a sétima arte pode e deve provocar: emoções.

A viagem de Chihiro

2009-09-13T12:02:00.008-03:00

A viagem de Chihiro (2001) é uma animação japonesa, dirigida e escrita por Hayao Miyazaki, que é vencedora de inúmeros prêmios, incluindo o oscar de melhor animação. Não era pra menos.
O filme narra a viagem da garotinha que está de mudança, porém no caminho, seus pais pegam um atalho e acabam conhecendo uma cidade aparentemente abandonada. Neste local, a menina tem a família transformada em porcos e descobre que tem a companhia de espíritos. A partir daí, ela passa a se aventurar nessa cidade e é obrigada a vencer seus medos para salvar os pais e voltar para casa.

São 125 minutos de pura arte. É sensível e agradável , sem aquela chatice apelativa emocional, trilha sonora impecável, rico em cores que dão uma energia à história triste da menina. Me fez recordar o maravilhoso "Alice no País das Maravilhas", ( de Lewis Carroll - adaptada pela Disney ) pois além do colorido, temos seres fantásticos com um humor peculiar. Durante todo o filme Chihiro supera seus medos, se adapta à situações, aprende com os outros personagens e os ensina muito também. Comparando o comportamento da protagonista no início com o fim da animação, fica evidente a evolução que ocorreu. O mesmo acontecerá com espectador que conseguir captar toda a beleza que o filme tem a oferecer. Uma das melhores animações que já assisti.

A primeira página

2009-09-11T22:16:00.011-03:00

Reprodução

Em tempos de dificuldade, rir ainda é o melhor remédio. Definitivamente. O ditado traspassa os anos isolado. Intocável. A primeira página (The Front Page, 1974), de Billy Wilder (Crepúsculo dos deuses, 1950), ainda traz - acreditem! - um humor sem exageros. Bem dosado.

Ambientado na década de 30, Hildy Johnson (Jack Lemnon) é principal repórter de um jornal de Chicago que, saturado de sua vida enfadonha, resolve abrir mão de sua carreira para se casar com Peggy Grant (Susan Saradon). Porém, seu obstinado editor, Walter Burns (o famoso Walter Matthau), para não perder seu melhor funcionário em plena cobertura de uma condenação à pena de morte, promete fazer de tudo para ter sua matéria.

É possível, ainda, repararmos o árduo cenário dos jornais da época e vislumbrarmos, no início da película, com nitidez, a origem do nome imprensa, que usamos a torto e a direito por aí. Eis, por fim, uma divertida e contida comédia.

Cães de Aluguel

2009-09-09T00:08:00.010-03:00

Naturalmente nenhuma pessoa precisa escrever nada sobre os filmes do Quentin Tarantino, pois estamos todos carecas de saber que ele é "O Cara". Falo isso como fã que já assistiu todos os seus trabalhos e como estudante de cinema. Independente de você gostar de filmes violentos, temos que admitir que os roteiros são fabulosos, com diálogos memoráveis e inteligentes. Então, hoje resolvi escrever sobre Cães de Aluguel (Reservoir Dogs, 1992), o primeiro filme d'O Cara.

Com um elenco quase totalmente masculino, Cães de Aluguel conta a história das consequências sangrentas de um roubo de diamantes que deu errado. Um grupo de criminosos atuam juntos no roubo, mas nenhum deles sabe a verdadeira identidade do outro, para que se torne impossível qualquer tipo de denúncia caso forem pegos. Sendo assim, os personagens são apresentados com apelidos, como: Mr. Pink, Mr. White, Mr. Brown, Mr. Blonde, Mr. Blue, Mr. Orange... A partir daí, só precisamos relaxar na poltrona e assistir tudo que o Tarantino é capaz. Neste filme percebemos nitidamente a habilidade do diretor/roteirista de deixar o espectador estatelado na cadeira, impressionado com cada revelação da trama. As besteiras que os personagens falam durante o longa não são colocadas sem propósito, pelo contrário, são elas que fazem você desvendar a personalidade de cada um. As referências musicais usadas são ótimas e trazem um humor típico dos filmes do Quentin. Um exemplo disso é a cena dos criminosos reunidos, discutindo sobre o significado da música "Like a Virgin" da Madonna. Esta mesma me faz recordar a sequencia inicial de Pulp Fiction - Tempos de Violência (1994), onde temos um casal numa lanchonete, também discutindo (mais um marco do cinema na minha lista pessoal).

É muito esquisito escrever sobre filmes famosos e consagrados, pois parece que tudo já foi dito e que não há nada mais para explorar. Porém, Tarantino tem um magnetismo no seu trabalho fazendo com que quanto mais vezes for assistido, mais vezes é aclamado. Se eu puder indicar algum filme a alguém que não o conhece, eu diria se hesitar: assista todos.

O retorno de um herói

2009-09-07T15:35:00.005-03:00

O retorno de um herói (Taking Chance, 2009), de Ross Katz, é mais uma das lamentáveis “obras-justificativa” (com o perdão do silogismo) americanas para legitimar, a maciça presença no Iraque – um dos países do “eixo do mal”, conclamado pelo então presidente George W. Bush.

A obra (biográfica) trata basicamente da peripécia e burocracia em escoltar um ex-combatente, morto em guerra, até sua cidade natal. O Tenente-coronel Michael Strobl (Kevin Bacon) se encarrega, voluntariamente, de escoltar o corpo de Chance Russel Phelps. Ainda que trate exaustivamente desta jornada, Taking Chance não chega a ser cansativo, mesmo porque essa é uma das características do cinema norte-americano, segundo conclusões do cineasta e teórico russo, Lev Kulechov, quais sejam: “o sucesso do filme americano se deve ao ritmo rápido de sua montagem”. Muito embora eu não acredite que a obra aqui abordada tenha sido e/ou venha a ser um sucesso, o traço característico da montagem pode ser observado ao longo da trama.

Através de seguidos apelos emotivos (as crianças me parecem a maior prova disso – em minha opinião, covardia tamanho apelo), o filme tende a nos levar à compreensão única de que os americanos não são nada além de meras vítimas de todo o processo; quando, na verdade, tomamos conhecimento de difamações, alegações totalmente equivocadas acerca do Iraque (pelo governo à época vigente), como a de afirmar (novamente para justificar!) que o país iraquiano tinha armas de destruição em massa – o que fora desmentido depois.

Talvez para não soar totalmente inverossímil, há uma passagem que um amigo dos militares que foram ao Iraque, pondera ao oficial Michael Strobl, rapidamente, mas com uma ressalva: “Eu tenho que ser honesto / Sem ofensas, mas... / Eu não entendo o que estamos fazendo lá”. Fora isso, não há qualquer refutação. Só o que podemos ver é: patriotismo exacerbado (ufanismo), solidariedade à vítima etc. No fundo, se analisarmos friamente, é natural que tenha sido assim, dado que a obra tinha um objetivo muito claro: vitimizar, sobretudo e através da homenagem póstuma a Chance Russel Phelps, a nação estadunidense.

O que Kulechov não previu (até porque não havia mesmo como prever) foi que os subterfúgios são tal qual o ritmo da montagem, comuns características dos americanos há algum tempo para legitimar suas lastimáveis ações, que não se sustentam sob ótica nenhuma.

Lamento por Kevin Bacon, ator renomado com importantes indicações – uma delas inclusive ao Globo de Ouro, por sua participação em Rio Selvagem (1995) –; e que admiro, ter se submetido a esta farsa – ainda que tenha sido mais uma louvável atuação no papel do oficial Strobl.

O Sétimo Selo

2009-09-04T15:45:00.008-03:00

Um dos meus filmes favoritos, O sétimo selo (de Ingmar Bergman, 1956), aborda tema tabu na cultura ocidental, a morte.
O filme se passa na Idade Média, onde o cavalheiro Antonius Block volta das cruzadas e encontra seu país devastado pela peste. Com seu fiel escudeiro , Block observa a destruição prevista na Bíblia (o título do filme foi tirado do livro do Apocalipse) e dá de cara com a Morte, que veio para levá-lo também. Block então, querendo viver para responder suas questões internas, sobre fé, temores, existência de Deus, humanidade, etc., desafia a Morte para um jogo de xadrez, que inclusive foi parodiada em inúmeros filmes como A última noite de Boris Grushenko (Woody Allen), Bill e Ted - Dois loucos no tempo (Peter Hewitt), A máscara Mortal (Roger Corman), entre outros.
Simplesmente brilhante, obra prima de Bergman, o filme traz assuntos que são questionados até hoje pela humanidade, celebra os prazeres mais simples, aponta os tormentos mais complexos e algumas vezes é cômico. Os cenários são simplórios, a maquiagem dá um aspecto realista, o roteiro com falas bem claras, um filme rico em metáforas introduzidas em seus diálogos, uma obra de arte completa com uma das cenas mais fabulosas da sétima arte (A Morte sentada com o cavalheiro jogando xadrez). Pra completar ele é todo feito em preto e branco, com boas jogadas de sombra e luz, trazendo à tona o prazer de se assistir um filme antigo. (saudosismo :P)

O poder da palavra - "Edifício Master"

2009-08-31T17:47:00.024-03:00

0000000000000000000000000000000000000000000Reprodução

Coutinho corrobora a força da palavra em ato

Lendo um trabalho de Consuelo Lins – a idealizadora deste documentário, aliás –, aprendi bastante sobre Eduardo Coutinho e pude comparar com pouco que sabia e que reparei nesta película.

O documentário de Coutinho é notoriamente a arte de filmar a palavra em ato, pura e sincera (ou algo muito próximo disso) de seus protagonistas: figuras geralmente interessantíssimas, que nos brindam relatando, emocionados, fragmentos de suas vidas. É deslumbrante, pra mim, o simples ato de sentar e escutar uma pessoa relatar, de coração aberto, sua história, seus momentos ou mesmo suas frustrações. Também por isso fiquei extasiado enquanto admirava esta obra.

Um documentário, quando bem feito, é fascinante. É preciso, no entanto, muito cuidado para lidar com o gênero. A linha entre o insuportável e o inebriante é tênue. Coutinho, porém, consegue extrair o máximo de seus entrevistados em Edifício Master (2002) o que, inevitavelmente nos cativa, com prazer, à obra. De forma incrível consegue, em meio à miscelânea que compõe o Master, depoimentos inacreditavelmente viscerais (mesmo os que se diziam avesso a entrevistas) de cidadãos comuns, muitos aparentemente inócuos.

A menos que esteja redondamente enganado, identifico com clareza o cinéma verité (cinema-verdade), à medida que autor se propõe a mostrar o deslocamento da equipe ou ainda quando se preocupa em expor justamente o que fora perguntado. O que em nada compromete a estrutura cinetográfica final. Pelo contrário. Eis a “verdade da filmagem”, surgida na Europa.

Edifício Master, de Eduardo Coutinho, é vencedor de inúmeros e inquestionáveis prêmios. Pudera.

"Estômago": Na vida há os que devoram e os que são devorados.

2009-08-29T01:08:00.010-03:00

Estômago( Marcos Jorge), é aquele tipo de filme que quando acaba, seus olhos estão brilhando, sua boca está aberta e você quer ligar pra sua lista telefônica inteira para indicá-lo. Começando pelo fato do filme não ter nenhum ator conhecido pelo " povão", (como os globais, atuais rede record - ha ha) já instiga aos curiosos e aos undergrounds a vê-lo. O resto é lucro. No início do longa, nos deparamos com Raimundo Nonato (João Miguel) narrando em off, dono de um sotaque surreal, que soma o cômico com o regionalismo. Mesmo com o decorrer de dois seguimentos temporais, o filme não deixa o espectador confuso, pelo contrário, prende cada vez mais a atenção do mesmo. Nonato sai do nordeste para o sudeste do Brasil, em busca de novas oportunidades. Logo na sua chegada, tentando se adaptar à nova região, se depara com a oportunidade de trabalhar na cozinha de um buteco, onde atuará como "fritador de coxinhas". Depois de um tempo trabalhando ali, ele é convidado para um restaurante italiano ( o filme é co-produzido pela Itália), que o transforma num conhecedor completo da culinária. Enquanto isso, vemos cenas alternadas de Nonato num presídio, que deixa o público ansioso para descobrir o por que dele estar lá. Acredito que isso é tudo que se precisa saber sobre "Estômago" para querer vê-lo. Um dos melhores filmes que assisti esse ano ( o filme é de 2007 mas eu sofri um "delay"), traz uma atuação brilhante do ator João Miguel, que ganhou pela segunda vez o prêmio de melhor ator do festival do Rio de 2007 ( anteriormente pelo filme "Cinema, Aspirinas e Urubus” - Marcelo Gomes). Eu poderia comentar sobre cada aspecto técnico do filme, da iluminação a edição, mas ele continuaria impecável. Só faria uma modificação - mínima - esta seria tirar o Paulo Miklos do elenco, ele faz uma pontinha, mas está muito "O Invasor" ( trocadilho barato). Antes que eu me esqueça, vale ressaltar a trilha sonora, que parece um assovio ,embala o filme perfeitamente caindo como uma luva. Pra quem gosta de um humor negro, corre já pra locadora ou pro torrent.

Verônica

2009-08-28T23:13:00.011-03:00

VERÔNICA é professora da rede municipal e agora, na iminência de se aposentar e passando por sérios problemas pessoais, está exausta e sem a paciência. Um dia, na escola em que trabalha, ela percebe que ninguém veio buscar Leandro, um aluno de oito anos e decide levá-lo em casa. Ao chegar no alto do morro, encontram a polícia e muito tumulto. Traficantes mataram os pais da criança e querem matá-lo também. Verônica foge com o menino. Ela procura ajuda e descobre que a policia também está ligada ao assassinato. Sem poder confiar em ninguém, ela decide esconder o garoto.

Verônica é um filme agitado. Por um momento, mas apenas por um, me lembrou o filme alemão "Corra Lola, Corra", embora este seja muito mais eletrizante. O filme aborda inúmeros assuntos como decadência do ensino público, desrespeito com os professores, sistema de saúde abominável, violência e corrupção de policiais.
O que me intriga é que mesmo com essa gama enorme de assuntos a serem tratados, o filme fica repetitivo e previsível. Em cada cena você se encontra "adivinhando" o que vai acontecer, inclusive, se você for cinéfilo [- ou não], conseguirá prever as falas também. Não tenho dados se o filme foi feito com pouco orçamento ou não, mas fica nítido que a fotografia, entre outros, foi infeliz, dando a impressão de ser um filme caseiro. Os personagens parecem perdidos entre si. Não sei o que aconteceu com Maurício Farias (diretor), para deixar os atores tão desconectados. Andréa Beltrão faz bem seu papel, embora não tenha nenhum desempenho espetacular, dando minha preferência à sua atuação divertidíssima em "A Grande Família", também dirigida por Maurício. A única coisa que salva na trilha sonora é a música da primeira cena, que vem com B. Negão empolgando o espectador. Depois disso, não espere escutar mais nada. Só músicas de tensão, enquanto Verônica foge incansavelmente de "todo mundo", que acabam com o climax ao invés de proporcioná-lo. O filme também conta com um fabuloso final... Clichêzão.

Perfeita sinfonia em "Reine sobre mim"

2009-08-19T10:17:00.025-03:00

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Don Cheadle e Adam Sandler transcedem a harmonia prevista no roteiro

Já não mais nutria esperança em assistir, ainda em vida, um filme de outro gênero interpretado pelo caricato Adam Sandler. Foi quando surpreendentemente fui apresentado por sugestão (agradecimentos aqui à Vanessa, entusiasta da 7ª arte), incrédulo, a Reine sobre mim (Reign Over Me, 2007). Muito embora tudo indicasse ser este, de fato, um filme do gênero “drama”, antes de assisti-lo, ainda esperava algo mais comédia do que drama. Feliz e finalmente, porém, o estereotipado ator transitou pelo gênero. Vale ressaltar: seguro e desenvolto. Conseguiu transparecer toda a angústia que o personagem exigia.

No longa de Mike Binder (também atuante), Charlie Fineman (Sandler) é agora um perturbado e isolado cidadão, que perdera sua família (esposa, filhas e, registre-se: um poodle) em um acidente de avião; Alan Johnson (Cheadle) é um dentista – e antigo amigo de faculdade de Charlie –, cuja vida é moldada por sua esposa (Jada Smith). O destino (?), no entanto, trata de uni-los novamente, mostrando que ao contrário do que se imaginava, Johnson precisava de ajuda tanto quanto Fineman. São nitidamente figuras complementares, o que incrementa e acaba por interessar ainda mais a trama.

Com toda sua experiência, Don Cheadle é, sem dúvida, fator preponderante na bem sucedida e passageira transição de Adam pelo gênero, fazendo com que Reine sobre mim seja o que há de melhor (visto por mim) na medíocre carreira do ator.

O longa, embalado por oportuna trilha, conta ainda com a quase imperceptível atuação (?) da insossa Liv Tyler.

Cine Majestic

2009-08-16T23:31:00.009-03:00

Tendo como pano de fundo a famigerada “caça às bruxas” – perseguição aos aos comunistas ou simplesmente aparentes vermelhos – que infelizmente assolou boa parte do mundo, Cine Majestic (The Majestic, 2001) é impecável. Um belíssimo e comovente filme, dirigido por Frank Darabond [Um sonho de Liberdade, 1994] e (muito bem) escrito por Michael Sloane.

Peter Appleton (Jim Carrey) é um jovem e ambicioso roteirista de cinema que, por engano, é perseguido pelo governo macartista. Peter tem seu grande roteiro confiscado pelos congressistas. Atordoado, o jovem se envolve num grave acidente que lhe subtrai a memória. Peter acorda numa pequena cidade do interior da Califórnia e é confundido com um ex-guerrilheiro, referência ali e filho do dono de um cinema – The Majestic. Sem parâmetros, Peter Appleton, agora “Luke”, admite sua nova e entusiasta família.

The Majestic consegue, ao longo de seus 152 minutos, ser crítico sem deixar de ser ufanístico, característica dos filmes norte-americanos.

Jim Carrey, primoroso, emplaca mais uma grande atuação no drama (a exemplo de Man on the Moon e The Truman Show), sem perder sua inerente graça, em perfeita sinfonia com Martin Landau, prova que pode facilmente transitar, incólume e com igual desenvoltura, por outros gêneros. Prova cabal de que é um excelente ator.

Com um roteiro que me fez lembrar o clássico italiano “Cinema Paradiso” (Nuovo Cinema Paradiso, 1988), de Giuseppe Tornatore, ouso dizer que The Majestic é "Cinema Paradiso" deste século.

Invisibilidade continental - "Um grito de liberdade"

2009-08-16T22:48:00.007-03:00

Do mesmo diretor de Gandhi (1982), Um grito de liberdade (Cry Freedom, 1981) é um registro biográfico (e político) baseado em livro de Donald Woods, acerca do pouco (ou nada) conhecido ativista sul-africano, Stephen Bantu Biko – mais uma das figuras oposicionistas ao regime inconcebível e truculento vigente à época.

Ambientado na África de 70, portanto ainda durante o apartheid, Biko (Denzel Washington – com sotaque carregado – em mais uma soberba atuação, que lhe rendeu indicação ao Oscar®) conhece e transforma o editor liberal de um importante jornal da região, Donald Woods (Kevin Kline), posteriormente encarregado de disseminar a palavra de seu novo amigo, Biko.

O arrebatador longa de Richard Attenborough é, sobretudo, um relato do horror, das condições bestiais que viviam – e o pior: vivem! –, os residentes do continente africano, sob “égide” dos colonizadores. É infeliz e insuportavelmente acrônico. A África segue tão invisível quanto agonizante – isso porque pedem nada muito além de condições minimamente humanas. Seguimos confortavelmente moucos.

Bela oportunidade, porém, para o mundo “descobrir” de fato! o continente, há no próximo ano, sendo a África do Sul anfitriã da Copa de 2010. Espera-se, portanto e a quem de direito, algo muito além do blush, batons e afins. A conferir.

Linha de Passe

2009-08-12T12:08:00.007-03:00

Linha de Passe – A vida é o que você faz dela (2008), de Walter Salles e Daniela Thomas, é ambientado na periferia da maior metrópole do país, e traz à baila um típico retrato de grande parte das famílias brasileiras.

Matriarca de uma família visivelmente desestruturada, Cleusa (Sandra Corveloni*) é uma empregada doméstica, mãe de quatro filhos (à espera do quinto) – sem pai; Dênis é o filho mais velho, pai e motoboy (há algo mais comum do que ser motoboy em São Paulo?); Dinho (José Geraldo Rodrigues) é frentista e recém convertido. Sua história nos traz a verdade das igrejas, abarratodas de fanáticos religiosos buscando algum refúgio em palavras ao vento. Dario (Vinícius de Oliveira) traz consigo o mais batido de todos os cenários: um rapaz humilde, cujo sonho de ser jogador de futebol nos parece a única saída para poder proporcionar uma melhor vida aos seus; junto à sua história, tomamos conhecimento do submundo do futebol, das peneiras, onde os esquemas ditam as regras. E Reginaldo (Kaique de Jesus Santos), o único negro dos irmãos, se vê “rejeitado” por sua condição racial e é persistente na empreitada de conhecer seu pai. Tem como maior sonho dirigir um ônibus.

Linha de Passe merece sua atenção dado que nunca é demais lembrar a caótica situação porque passa a maior parte de brasileiros neste país, ainda que muitas vezes esta realidade nos pareça algo muito distante - muito embora esteja logo ali. O filme traz a realidade nua e crua, doa a quem doer.

São brasileiros vítimas de um sistema cruel [e vigente!], que concentra a riqueza na mão de pouquíssimos, cabendo aos demais a árdua labuta, com seus vencimentos irrisórios.

Linha de Passe é um soco no estômago necessário e imperdível.

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* Premiada na categoria “Melhor atriz” em Cannes, 2008.